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The Black Caribs of Belize: Musik der Garifuna auf Soul Jazz Records

Barbara Muerdter — Tue, 26 Jul 2011 19:18:42 +0000

Die in Mittelamerika lebende Volksgruppe der Garifuna und ihre Kultur sind ein Produkt der Kolonialzeit. Im 17. Jahrhundert waren Schiffe mit geraubten Westafrikaner/innen vor der Karibikinsel St. Vincent gestrandet. Die Überlebenden vermischten sich mit den einheimischen Kariben. Sie nahmen die indianische Arawak-Sprache an, in die immer mehr europäische Worte einflossen, während in der Religion die westafrikanische Tradition dominierte. Einige Zeit konnten sie im Kampf zwischen Franzosen und Engländern um die Insel ihre Unabhängigkeit bewahren, indem sie mit den Franzosen mehr oder weniger auf Augenhöhe kooperierten. Als dann die Briten die Oberhand gewannen, sahen sie die freien Schwarzen als Bedrohung ihres Sklavensystems und deportierten sie auf andere Karibikinseln, wobei fast die Hälfte der Garifuna starb.

Cover

Im 19. Jahrhundert wanderten viele von ihnen auf das mittelamerikanische Festland, vor allem nach Belize, aus, wo sie heute ca. 7% der Bevölkerung stellen. Ihre lebendige hybride Kultur, in der nicht nur ihre Sprache Igñeri sondern auch kulturelle und religiöse Praktiken aus zwei alten Traditionen bewahrt blieben, wurde in den letzten Jahren als Kulturerbe wieder entdeckt und sogar von der UNESCO als schützenswert eingestuft. Garifuna-Künstler wie der leider kurz nach seinem internationalen Durchbruch 2008 verstorbene Musiker Andi Palacio mischten die alte Kultur mit modernem Rock und Jazz, während sich CDs wie Umalili – The Garifuna Women’s Project oder Ibimeni eher der traditionellen Seite zuwandten.

In diese Kerbe schlägt auch die aktuelle Veröffentlichung des Londoner Soul Jazz Labels. Experten des Labels sind 2010 höchstpersönlich nach Belize gereist, mit der Größe Hessens das zweitkleinste Land Amerikas, welches in diesem Jahr seine 30jährige Unabhängigkeit von Großbritanien feiert. Labelgründer Stuart Baker fuhr nach Dangriga an der Karibikküste, einer Hochburg der Garifuna-Kultur, um mit dortigen Künstler/innen aufzunehmen. Im Mittelpunkt steht die Trommel, eine Mischung aus westafrikanischer Djembe und karibischen Bauarten.

Auf dem Album sind verschiedenen Stile der traditionellen Musik zu hören, wovon der Populärste die Punta ist, die seit den 70ern auch elektrisch verstärkt gespielt wird. Zudem gibt es ein ausführliches Booklet mit der Geschichte der Garifuna, Fotos von den Aufnahmen und Übersetzungen der Songtexte. Für Liebhaber/innen gibt es auch noch eine exklusive auf 1000 Exemplare limitierte Vinylversion.

Reinhören bei Souljazz Records (Samlpes)

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Woody Guthrie: Neue Webseite und Feierlichkeiten zum 100. Geburtstag 2012

Barbara Muerdter — Sat, 16 Jul 2011 01:17:18 +0000

Vorgestern wäre der legendäre US-amerikanische Singer-Songwriter Woody Guthrie 99 Jahre alt geworden. Plus eins macht nach Adam Riese 100 – was nichts anderes heißt, als dass uns nächtes Jahr ein großes Jubiläum ins Haus steht. Woody Guthrie ist trotz seines Hangs zum Kommunismus in den USA ein Nationalheld – und gilt weltweit zumindest im westlich geprägten Diskurs als einer der größten Musiker aller Zeiten. So hat die Guthrie Foundation schon mal vorsorglich eine Webseite an den Start geschickt, auf der sämtliche Feierlichkeiten koordiniert werden.

Foto: Library of Congress

Guthrie wuchs als Sohn eines wenig erfolgreichen ländlichen Geschäftsmanns im US-Bundesstaat Oklahoma auf. Neben diversen familiären Katastrophen erlebte er auch mehrere gesamtgesellschaftliche Dramen in jungen Jahren persönlich mit, die sein Schaffen stark beeinflussen sollten. Er erlebte Rassenhass und die Armut der Farmer, die durch die Great Depression, die US-amerikanische Ausprägung der Weltwirtschaftskrise, und eine zusätzliche Dürrekatastrophe in den 1930ern noch verstärkt wurden und viele Menschen aus der Heimat vertrieb. Auch Guthrie begab sich auf die Reise, aus ökonomischer Not, die jedoch mit jugendlicher Abenteuerlust und dem Drang, die Welt zu entdecken zusammenfiel.

Er lebte zunächst in Texas bei seinem Vater, wo er viel las und sein musikalisches Interesse vertiefte. Er verdingte sich als Straßen- und Kneipenmusiker, ging jedoch dann wie viele seiner Landsleute aus der alten Heimat nach Kalifornien, wo er ebenso wie sie auch als schlecht bezahlter Plantagenarbeiter sein Geld verdiente. Dabei entwickelte er einen immer stärker sozialkritischen Blick. Er begann bei einer Radiostation zu arbeiten, wo er auch seine ersten politisch geprägten Songs aufführte, die in den Zeitgeist fielen. Er sympathisierte wie viele seiner Landsleute damals mit den Ideen der kommunistischen Partei und schrieb Ende der 30er eine Kolumne für deren Blatt The Daily Worker.

1940 ging er nach New York, wo er sofort Anschluss an die linke Kulturszene fand. Er schrieb seinen bekanntesten Song This Land is Your Land, das heute eine der inoffiziellen Nationalhymnen der USA ist, und lernte den gleichgesinnten Folk-Musiker Pete Seeger kennen, der mit ihm die Almanach Singers gründete. Eine weitere musikalische Freundschaft verband ihn mit dem afroamerikanischen Musiker Huddie “Lead Belly” Ledbetter. 20 Jahre später bezog sich die aufkeimende neue Folkszene vorrangig auf sein Schaffen und seine Präsenz in der Stadt. Einer seiner größten Fans, der den aufgrund einer Erbkrankheit Dahinsiechenden noch in der Klinik besuchte, war ein junger Bursche namens Robert Zimmermann, der sich auch Bob Dylan nannte.

Jubiläumsseite Woody 100

Zwischendurch engagierte sich Guthrie im Auftrag der Regierung noch für den Neubau der Staudämme im pazifischen Nordwesten der USA, wieder in New York für sozialistische Ideale bei Seegers Almanac Singers, wurde vom Bewahrer der vergehenden Volkskultur Alan Lomax über sein Aufwachsen in Oklahoma befragt, diktierte seiner zweiten Frau seine teilweise fiktionale Autobiografie Bound for Glory – und nahm vor allem seine Songs für Folkways Records auf. Im Krieg arbeitete er als Geschirrspüler auf Schiffen der Handelsmarine, um den Soldaten seine politischen Songs vorzustellen, nachdem er nicht für die Truppenbetreuung rekrutiert wurde. Nach dem Krieg nahm er zunächst weiter Musik auf, und lernte seinen Schüler Ramblin’ Jack Elliott kennen, der ein wichtiges Bindeglied zur nachfolgenden Generation werden sollte. Guthries Erbkrankheit, Chorea Huntington, begann sich aber immer stärker auf seine Gesundheit und sein Sozialverhalten auszuwirken, so dass er seine letzten Lebensjahre als Pflegefall in diversen Krankenhäusern und Heimen verbrachte. 1967 starb er in New York.

2012 soll es nun das ganze Jahr über diverse Ehrungen geben – in seiner US-amerikanischen Heimat, aber auch erstaunlich viel im deutschsprachigen Raum. So soll es u.a. im Februar in Berlin im Rahmen eines Political Songwriter’s Festival – möglicher Weise eine wiederbelebte Version des Festivals des Politischen Liedes aus DDR-Zeiten? – eine Ausstellung, Diskussionsrunden, Filme und ein Konzert geben, im November in Münster ein Woody Guthrie Festival. Genauere Informationen gibt es zu gegebener Zeit hier bei Popkontext.*

*Tatsächlich handelt es sich um Veranstaltungen des Festivals Musik und Politik 2012 vom 23. bis 26. Februar. Es wird eine Ausstellung, ein Gespräch und ein Konzert mit Wenzel & Band, der Revue Woody Sez und Tom Morello (Audioslave / Rage Against The Machine) geben. Sobald es mehr Infos gibt, hier ein Link dahin.

Update:
Alle Artikel auf Popkontext zum Woody Guthrie-Jahr 2012 sind unter dem Tag “Woody Guthrie 100” zu finden.

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The Shaolin Afronauts – Flight of the Ancients

Barbara Muerdter — Thu, 07 Jul 2011 23:29:56 +0000

Dem Afrosound scheint es zu gehen wie einst dem Blues: Während sich die junge Generation in Afrika entweder ganz der 1:1. Reproduktion von US-amerikanischem HipHop und R&B widmet, oder neue hybride Formen wie Kwaito, Coupé Decalé oder Kuduro entwickelt, sind es zumeist weiße junge Menschen im Westen, die ihre Vorliebe für die Sounds des schwarzen Afrika der 60er und 70er entdecken.

Cover

In den letzten Jahre entwickelte sich in Europa und den USA eine Liebhaber-Labelszene (wie z.B. Analog Afrika in Deutschland) und einschlägige Blogs, wagemutige junge Männer sehen es als Herausforderung, die letzten ungehobenen Schätze vor Ort zu erbeuten. Wie schon die ersten Afrobeatplatten die westlichen Musiker der New Wave-Ära von Brian Eno bis zu den Talking Heads inspirierten, fanden sich auch in den 90ern und 2000ern junge Musiker/innen, die sich den Afrosounds verschrieben. Bekannt wurde der Trend 2008 mit der New Yorker Band Vampire Weekend, die sich eher spielerisch mit verschiedenen Sounds des Kontinents beschäftigen. Andere Bands fusionierten Soul, Jazz und Funk, die ja auch eine Grundlage des Afrobeats waren, wieder mit diesen – manche benutzen sie als Inspiration, andere halten sich an größtmögliche Originaltreue.

“Afro-Soul” ist eine dieser Spielarten – ihm frönt nicht nur die New Yorker Budos Band, die dieser Tage in Deutschland und der Schweiz auf Tour ist, sondern mit einer anderen Herangehensweise auch die Shaolin Afronauts aus dem australischen Adelaide. 2008 hatten die Mitglieder der 60s Soul-Combo die Band als Seitenprojekt ins Leben gerufen, inspiriert vom Afrobeat Fela Kutis, aber mehr noch von äthiopischen Jazz eines Mulatu Astatke. Ebenso interessierte sie jedoch der Widerhall dieser Musik bei den afroamerikanischen Jazzmusikern jenseits des Atlantik.

Mit Gitarren, Bass, Schlagzeug und einer dreiköpfigen Bläsergruppe ausgestattet, sind sie aber vor allem perkussiv gut besetzt: mindestens genauso viele weitere Musiker betätigen diverse Schlagwerke von Congas bis Kuhglocken, mit denen sie dynamische, treibende, aber gleichzeitig fragile und feinsinnige polyrhythmische Strukturen erzeugen. Mit ihrem am Ethos der freien Improvisation orientierten Sound wurden sie in Australien schnell bekannt. Jetzt veröffentlichen sie auf dem kleinen britischen Retro Groove-Label Freestyle Records mit Flight of the Ancients ihr Debütalbum. Tourdaten im deutschsprachigen Raum oder überhaupt in Europa sind bisher noch nicht bekannt.

Journey Through Time – The Shaolin Afronauts(FSR091) by Freestyle Records
The Shaolin Afronauts – Flight Of The Ancients: VÖ 22. Juli 2011

Bei Soundcloud reinhören

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Culture Clash: Shangaan Electro im Berghain

Barbara Muerdter — Sat, 25 Jun 2011 15:47:39 +0000

Männer in eigenwilligen Clownskostümen, an Po und Bauch ausgepolstert, Frauen in traditionellen Röckchen schütteln ihre Hinterteile heftig zu atemberaubend schneller elektronischer Musik mit afrikanischem Rhythmus. Auch wenn die Bewegungen durch die starke Betonung auf den Unterleib extrem sexuell erscheinen, ist das Ganze offenbar ein Spaß für die ganze Familie, denn unter den Tänzer/innen sind sowohl Kinder als auch ältere Semester. Youtube-Videos waren mehrere Jahre die einzigen Dokumente, die diesen neuen südafrikanischen Tanzstil in die Welt hinaustrugen und schnell mehrere Tausend Clicks bekamen.

Cover der Hones Jon's Compilation

Das umtriebige Londoner Label Honest Jon’s wurde aufmerksam und veröffentlichte vor einem Jahr eine Compilation namens Shangaan Electro: New Wave Dance Music From South Africa. Labelchef Mark Ainley und Mark Ernestus (Ex Basic Channel) hatten darauf 12 Tracks zusammen getragen, die zwischen 2006 und 2009 im Studio des Produzenten Nozinja in Johannesburg aufgenommen wurden. Mit dieser Compilation wurde man auch im Westen auf diesen Musikstil aufmerksam, dem bisher nur im Nordosten Südafrikas und in Johannesburg und anderen Enklaven des Tsonga-Volks gefrönt wurde.

Nozinja, bürgerlich Richard Hlungwani, ist ein Angehöriger dieser Tsonga – oder auch Shangaan – genannten Ethnie, die vorrangig in Mosambik und in angrenzenden Teilen Südafrikas lebt und in dem Ruf steht, ein außergewöhnlich freundliches Völkchen zu sein. Geboren und aufgewachsen ist er in Giyani, unter dem Apartheid-Regime Hauptstadt des Gazankulu-Homelands der Tsonga, heute in der heißen, ländliche geprägten Provinz Limpopo.

Hlungwani zog nach Soweto, dem legendären Viertel Johannesburgs, in das in das in den 60ern viele der Nichweißen aus der Innenstadt der größten Stadt Südafrikas, speziell des multikulturellen Vergnügungsviertels Sophiatown, abgeschoben wurden, wo er ein paar Läden betrieb. Kein Mitglied der jungen, hippen urbanen Avantgardeszene Südafrikas wie z.B. Spoek Mathambo, sondern ein molliger Geschäftsmann mittleren Alters, begann er 2005, Musik zu machen. Wo andere auf die Musik des Westens, vor allem HipHop und Pop, schauten, bezog sich der Quasi-Expat in der Vielvölkermetropole auf die Musik seiner Heimat – und motzte die traditionelle Musik seiner Vorfahren elektronisch auf. Die schon vorhandene Hybrid-Version Shangaan Disco beschleunigte er von 110 Beats per Minute auf über 180, weil es dem Tanzstil der Leute entsprochen hätte und sie erst bei diesem Tempo richtig in ihrem Element seien. Moderne Shangaan-Musik wird normalerweise mit Bass und Lead-Gitarre gespielt – darauf verzichtete Hlungwani völlig, sondern setzte auf Keyboards, elektronische Beats und eingespielte Marimba-Klänge. Darüber legte er sparsam eingespielte, hochgepitchte Voice-Samples auf Englisch.

Shangaan Traditioneller Tanz / Foto: Wikipedia / User Laura_SA

Es ist kein Zufall, dass sich nicht Kassetten oder CDs, sondern DVDs als Hauptmedium für den Vertrieb des neuen Stils erwiesen – denn der Tanz ist ebenso wichtig wie die Musik. Auch hier setzte Hlungwani nicht auf moderne westliche Vorbilder, den in Afrika omnipräsenten Hip Hop wie beim Kwaito, sondern neben den traditionellen Tsonga-Tänzen auf Pantsula. Das Zulu-Wort beschreibt den Tanzstil auf den Punkt – es heißt so viel wie „wie eine Ente“, oder mit „ausgestrecktem Hinterteil“ laufen. Dieser Stil war besonders in den 80ern unter den Tsotsis, den schwarzen Ghetto-Kleinkriminellen und Vorreitern der subversiven Underground-Kultur, in den Townships populär und hatte in seiner phantasievollen Ausschmückung Parallelen zum US-amerikanischen Breakdance.

Für eine seiner Bands, die Tshetsha Boys, entwickelte Hlungwani bunte, ein bisschen unheimlich wirkende Clownskostüme und Masken, die auch ein wenig an die alten Ritualverkleidungen der Tsotsa erinnern, und inzwischen zum Markenzeichen des Shangaan Electro geworden sind. Die Idee kam ihm aus sehr prosaischen und rein marktwirtschaftlichen Gründen, wie der inzwischen mit mehreren südafrikanischen Grammys geehrte Produzent, Manager und Vertriebsleiter freimütig zugibt – man wollte Kinder ansprechen, um so auch deren Familien zu erreichen.

Hlungwani gibt sich nicht damit zufrieden, in seiner Heimat populär zu sein. Mit der Veröffentlichung der Compilation auf Honest Jon’s und dem Interesse von Veranstaltern in Europa und den USA, die seiner Musik erst den Namen “Shangaan Electro” verpassten, sah er die Chance, diese in die Welt hinauszutragen. Hier wird sie allerdings nicht als Mainstream-Pop rezipiert, sondern ist ein Nischenprodukt für aufgeschlossene Musikfreund/innen. So findet die einzige Deutschland-Show seiner derzeitigen Europatour in Berlin nicht in der Betonmehrzweckhalle namens O 2-Arena statt, oder im für Außereuropäisches zuständigen Haus der Kulturen der Welt, sondern im hippen Tempel der elektronischen Musikkultur, dem Berghain, ausgerichtet vom avantgardeorientierten Club Transmediale. Mastermind Hlungwani, der unter seinem Künstlernamen Nozinja auftritt, hat ein Best Of seiner Künstler/innen dabei: Die Tshetsha Boys, Tiyiselani, Nkata Mawewe und natürlich seine besten Shangaan-Tänzer/innen.

Termin:
30. Juni 20 Uhr

Ort:
Berghain
Am Wriezener Bahnhof
10243 Berlin

Ankündigung des Berghain

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Jamel Shabazz: Neuer Dokumentarfilm über den New Yorker Fotografen, der die Anfänge des HipHop dokumentierte

Barbara Muerdter — Fri, 17 Jun 2011 12:29:01 +0000

Als der damals 15jährige Jamel Shabazz Mitte der 70er anfing, in seinem Umfeld zu fotografieren, ahnte er noch nicht, das seine Bilder einmal ein wichtiges Zeitdokument nicht nur einer Ära, sondern auch eines Musikstils werden sollten, der seitdem die Welt erobert hat.

Shabazz fotografierte mit seiner Canon AE-1 35mm in Brooklyn, der Bronx und Manhatten die aufkeimende HipHop Kultur, Leute, die er cool fand. Er machte selten Schnappschüsse, lauerte nicht auf den Moment, wo sich sein Objekt unbeobachtet fühlt, sondern sprach die Leute direkt an und gab ihnen das Gefühl, etwas Besonderes zu sein: “Ich bin Jamel Shabazz und ich bin Fotograf. Wenn ich dich sehe, sehe ich Größe. Ich sehe die Zukunft.”

Jamel Shabazz 1983 / Copyright: Jamel Shabazz

Die Zukunft ist nun lange Vergangenheit; was war, hat inzwischen ganz neue Formen angenommen, die Protagonist/innen, so weit noch am Leben, inzwischen ältere Semester, und ihre Ikonen hängen im Museum. Unter anderem Shabazz’ Bilder von B-Boys und Fly Girls in Kangol-Hüten, Adidas-Windjacken und Puma-Turnschuhen, die für seine Kamera posierten. Seine liebsten Fotografierorte waren die Straße und die U-Bahn – wegen der Menschen dort, aber auch wegen des Lichts. Schon der leicht bräunliche Charkter der zumeist farbigen Kodak-Abzüge erschein vintage.

Die Welt, die Shabazz dokumentiert hat, kommt uns heute merkwürdig fern und unschuldig vor – und gleichzeitig vertraut. Einer, der uns Nachgeborenen, in Deutschland Lebenden diese fremden Orte und die ferne Zeit näher gebracht hat, ist der Regisseur Charlie Ahearn. Er hat einen der populärsten frühen HipHop-Filme gedreht – Wild Style, 1982, zwei Jahre, nachdem die neue Ghettokultur des schwarzen New York auch international bekannt geworden war. Er ist ein langjähriger Freund von Shabazz und hat nun unter dem schlichten Namen Jamel Shabazz – Street Photographer einen Dokumentafilm über ihn gedreht.

Aus dem Bildband Back in the Days / Copyright: Jamel Shabazz / Courtesy Powerhouse Books

Schon 2003 gab es eine gemeinsame Foto-Ausstellung über die Roots der HipHop-Kultur: Under One Groove im niederländischen Eindhoven. Der Dokumentarfilm geht jedoch über die alten Tage hinaus. Denn bis heute zieht Shabazz, der jetzt mit einer digitalen Contax 645 Mittelformatkamera vor allem in seinem Lieblingsort Brooklyn arbeitet, tagtäglich aus, um das Leben vor allem der Afroamerikaner in New York zu dokumentieren, in allen Wandlungen der letzten 30 Jahren. Seine Fotos hat er in den 2000ern in drei Bildbänden zusammengefasst: Back in the Days, über die Hip Hop Kultur 1980-89, The Last Sunday in June über die Gay Pride Parade, und A Time Before Crack, wieder über die Hip Hop-Kultur 1979-1985. Dazu kommt das autobiografischen Seconds of My Life, das mit der Geschichte beginnt, als der Neunjährige von seinem Vater das Buch Black in White America von Leonard Freed gezeigt bekommt.

Er sah sich schon immer auch als Geschichtenerzähler und Lehrer, ein Griot der Großstadt mit modernen Mitteln. Aber seine Bilder sind auch ein “Bildertagebuch seines Lebens”, wie Shabazz es sagt. So kommen Persönliches, lokale Geschichte und globale Kulturgeschichte in Shabazz Arbeit zusammen. Im Film kommen zudem Rapper wie Fred Brathwaite, aka Fab 5 Freddy, und KRS-One, zu Wort, um Shabazz Arbeit in diese Geschichte einzuordnen.

Ahearns 77-minütiger Film soll am 26. Juni auf dem Brooklyner Filmfestival BAMcinemaFEST Premiere feiern.

Website Jamel Shabazz
Website Charlie Ahearn
Fotos aus dem Bildband Back in the Day
Interview with Jamel Shabazz (English) via Miss Rosen
Interview with Jamel Shabazz via

Fotogalerie bei der NYT
Fotogalerie bei GUP Magazine

via i-ref

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R.I.P Ellen Stewart of La MaMa Theatre Group

Barbara Muerdter — Sat, 15 Jan 2011 00:30:04 +0000

Im Alter von 92 Jahren starb am 13. Januar Ellen Stewart, eine Pionierin des experimentellen Theaters aus New York. Sie wurde als Gründerin und künstlerische Leiterin des 1961 eröffneten Café La MaMa, später La MaMa E.T.C. (Experimental Theatre Club) bekannt. Ihr künstlerisches Engagement während der Beatnik- und Hippiezeit in den 60ern im East Village in Manhatten gehört zu den prägendsten und zentralen frühen Meilensteinen der Off Off Broadwayszene. Ihr Theater zog junge Dramatiker, Komponisten und Schauspieler an, die zum Teil schon berühmt waren oder es später wurden – u. a. Paul Foster, Rochelle Owens und Sam Shepard, Philip Glass, Robert Wilson und Robert De Niro, Al Pacino, Harvey Keitel, Bette Midler und Diane Lane.

Foto via La MaMa Blog http://lamama.org/

Über ihre private Biografie hielt sie sich stets bedeckt, so dass es zu widersprüchlichen Angaben in der Öffentlichkeit kam. Es ist unklar, ob sie in Louisiana oder Chicago geboren wurde, aus welchem Elternhaus sie stammte und wie oft sie liiert war. Sie kam in den 50ern nach New York und arbeitete als Designerin ohne abgeschlossene Ausbildung, womit sie trotzdem schnell erfolgreich wurde. Sie gab diese Karriere aber für das Theater auf, auch ohne hier eine formale Bildung und Erfahrung zu haben. Weil das Theater aber kaum Profit abwarf, verdiente sie anfänglich auch weiter das Geld dafür als Modedesignerin.

Laut Village Voice glaubte sie leidenschaftlich an Internationalismus und die Freiheit der Kultur. So war nicht nur ihre Truppe multikulturell, sondern sie reiste mit ihren Produktionen auch durch die ganze Welt. Es entsanden La MaMa-inspirierte Truppen rund um den Globus und Regisseure und Kompanien kamen wieder nach New York, um in ihrem Etablissement in der East Fourth Street aufzutreten – alles auf einem minimalen finanziellen Level. Einige ihrer Produktionen schafften es dann sogar bis an den Broadway, andere an kommerziellere Off Broadway-Theater. Sie wird als beindruckende Persönlickeit beschrieben, die nich nur durch ihr attraktives Aussehen und Kleidung auffiel, sondern auch durch ihre direkte, durchsetzungsfähige Art. Stewart litt seit längerer Zeit an Herzproblemen und schlief in ihrem Krankenhausbett friedlich ein.

Further reading (English):
Orbituary New York Times
La MaMa Blog
Interview / Portrait in The Villager

Gerald Thomas and Ellen Stewart from The Dry Opera Co. on Vimeo.

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Sci-Fi Serie Pioneer One soll über die neue Plattform Vodo von Spendeneinnahmen finaziert werden

Barbara Muerdter — Sun, 19 Dec 2010 06:10:18 +0000

Serien sind derzeit ebenso ein angesagtes Thema wie Crowdfunding. Die beiden Serienmacher Josh Bernhard und Bracey Smith wollen mit ihrer Science-Fiction-Serie Pioneer One probieren, beides zusammen zu bringen. Die für die Pilotsendung benötigten 6 000 US-Dollar bekamen sie über die Plattform Kickstarter. Auf dieser kann man jede Art von kreativen Projektideen vorstellen, um Spenden für deren Umsetzung zu generieren. Sie funktioniert nach einem Threshold Pledge System, bei dem in einer bestimmten Zeit eine bestimmte anvisierte Summe Geld von beliebig vielen Spendern eingeworben werden muss (kommt die Summe nicht zusammen, bekommt man auch keine Unterstützung – mehr dazu hier und hier).

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Die erfolgreich finanzierte, fertig produzierten Pilotsendung stellten sie auf die P2P-Filmseite Vodo, für die die Serie konzipiert wurde. Hier können Filmemacher ihre Arbeiten zum kostenlosen Download über BitTorrent anbieten – die Bezahlung erfolgt über freiwillige Spenden. Die Auswahl der Filme erfolgt dabei durch Vodo, die jeden Monat einen neuen Film zur Verfügung stellen und bewerben. Nach eigenen Angaben schauen monatlich zwischen 150 000 und 850 000 Interesssierte die Filme. Pioneer One spielte in den ersten 8 Wochen 30 000 Dollar ein, The Yes Men Fix the World 25 000 im ersten Monat.

Verteilt werden sie über P2P-Dienstleister wie uTorrent, Vuze oder The Pirate Bay, die sich zur Distribution Coalition (DISCO) zusammengeschlossen haben und das System tragen. Aber auch die Nutzer werden aufgefordert, auf neue Filme via App auf Social Networks wie Twitter und Facebook aufmerksam zu machen. Wie auch bei Kickstarter arbeitet man für freiwillige Helfer/innen bzw. Spender/innen mit einem Belohnungs-System, in dem man kleine Vorteile gewährt oder zusätzliche Sachen wie Merchandise zur Verfügung stellt. Die Nutzer können sich die Filme via Torrent weltweit ohne Beschränkungen kostenlos herunterladen, werden aber zur Unterstützung der Produzenten um Spenden ab 5 Dollar gebeten.

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Mit 6 000 Dollar für eine der jeweils halbstündigen Folgen kann man natürlich keine großen Sprünge machen, wenn es um adäquate Bezahlung professioneller Fachkräfte und Ausstattung geht. In der Geschichte von Pioneer One geht es um einen russischen Kosmonauten, der mit einer Kapsel vom Himmel fällt und versehentlich dabei Teile Nordamerikas radioaktiv kontaminiert. Zudem soll er das Kind von Kosmonauten sein, die seit Mitte der 80er auf dem Mars leben – eine Geschichte, die keiner glauben mag. Das Ereignis führt zu zwischenstaatlichen Verwicklungen, die schließlich in einer Katastrophe enden. Im Mittelpunkt der ersten beiden Folgen stehen die Konflikte zwischen den Verantwortlichen vor Ort und den jeweiligen Vorgesetzten, die Terrorismusgefahr wittern. Die Story ist spannnend gemacht, auch die Dialoge sind soweit in Ordnung. Aber alles ist extrem konventionell – fast schon wieder charmant altmodisch. In so einem technisch innovativen Kontext hätte man sich auch ein visonäreres Drehbuch gewünscht, zumal HBO – mit ganz anderen Summen natürlich – die Messlatte in den letzten Jahren extrem nach oben verschoben hat.

Durch dieses Nachäffen deutlich höher budgetierter Formate fallen die Schwächen in allen Bereichen wie auch Ton, Setting und Maske dann erst recht auf, selbst wenn die Qualität des ambitionierten Projekts über billig gemachten Vorabendserien liegt. Sehens- und unterstützenswert ist die Serie allemal, und auch wie sich Vodo als Plattform entwickelt und in Zukunft vielleicht nicht nur an konventionellen Formaten orientierte Newcomer, sondern mehr innovative Profis anlockt – wie es ja mit den Yes-Men schon passiert ist – bzw. sich auch experimetelleren Formen öffnet, ist interessant. Unten kann man sich erstmal ein bisschen Appetit auf Pioneer One holen.

Pioneer One Kanal bei Vimeo
Pioneer One Webseite

PIONEER ONE “Pilot” Trailer from Pioneer One on Vimeo.

PIONEER ONE “Pilot” from Pioneer One on Vimeo.

via Social Film Marketing

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Neues Projekt: Arte Creative will kreatives Web-TV mit Künstler/innen und Kulturschaffenden machen

Barbara Muerdter — Wed, 15 Dec 2010 02:26:48 +0000

Mit dem neuen Projekt ARTE Creative, das neue Projekt der Arte-Redaktion, das sich an Künstler/innen und Kulturproduzent/innen im weiteren Sinne wendet und Leute, die sich für deren Arbeit interessieren. Hiermit soll nicht nur das Publikum verjüngt werden, sondern man will auch endlich im Internet-Zeitalter ankommen.

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Wie oft bei Projekten dieser Art, haben die Macher/innen erstmal Schwierigkeiten, sich zu erklären. Eine offizielle Pressemitteilung gibt es bisher noch nicht. So hat der Fontblog das einzig Richtige getan und nachgefragt: Was wollt ihr jetzt eigentlich genau? Aha! Das “internationale, redaktionell betreute und interaktives Netzwerk” ist in erster Linie ein Web-TV, das neue, experimentelle(re) Formaten – welcher Natur auch immer – ausprobieren will, die gemeinsam mit der Community entwickelt werden sollen. Es will “qualitativ herausragende Arbeiten aus den Bereichen Kunst, Popkultur, Design und Architektur” präsentiert. In den jeweils ca. 5-minütigen Beiträgen sollen die Protagonisten und ihre Arbeit portraitiert werden, indem sie gebeten werden, ihren künstlerischen Ansatz auf einem Blatt Papier grafisch zu skizzieren und zu kommentieren, so die Antwort. Ausgangspunkt sei der Gedanke, dass sich jeder komplexe Zusammenhang und jedes Problem am besten mit einer einfachen Zeichnung visualisieren lässt, äußerten sich die Macher/innen gegenüber Fontblog. Die Idee wurde dem unten stehendem Video zufolge von der Zentralen Intelligenz Agentur entwickelt – inwieweit das Konzept ausschließlich Anwendung findet ist unklar.

Update: Nach der Lektüre der englischsprachigen Zusammenfassung (?) ist noch ein ganz entscheidender Aspekt dazu gekommen: Man will offenbar eine Art Social Media Plattform anbieten, auf der User/innen kostenlos und werbefrei eigene Portfolios erstellen und Projekte vorstellen können und sich so untereinander verbinden. Diese würden dann auch von Arte-Mitarbeiter/innen auf Talentsuche gesichtet. Wenn das denn gut aufgebaut ist und funktioniert, wäre das tatsächlich in so einem Kontext innovativ.

Was sonst noch aus dem großen Geschwurbel an Kernpunkten herausgearbeitet werden kann: Arte Creative will auch ein dieser Tage so angesagtes und für Selbständige essentielles Netzwerk schaffen. Die vorgestellten innovativen Künstler/innen und Projekte werden nicht nur untereinander, sondern auch mit einschlägigen Partnerinstitutionen, wie Museen, Festivals und Hochschulen etc. verbunden, z. B. dem Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM) in Karlsruhe, dem Neue Berliner Kunstverein/Video-Forum und dem Arsenal – Institut für Film- und Videokunst, welche zudem einmal im Monat Schlüsselwerke aus ihrer Sammlung präsentieren werden.

Grafik: Barbara Mürdter

Mitte / Ende Januar ist der Launch geplant – derzeit sind die einschlägigen Seiten noch passwortgeschützt. Zur Transmediale gibt es in Berlin einen von deren künstlerischem Leiter Stephan Kovats moderierten Festival-Channel. Zudem ist in diesem Rahmen eine erste große Pressekonferenz geplant, an der erste Protagonisten wie Vertreter/innen der Zentralen Intelligenz Agentur und des Fotoblogs JUST dabei sein werden. Hier kann man nur hoffen, dass die Herrschaften besser auf den Punkt kommen. Vielleicht sollten sie ihr Konzept einfach mal zeichnen? Und entscheidend ist, um den ansonsten weniger geschätzen Dr. Kohl zu zitieren, was hinten rauskommt. Interessantes Potential und zumindest etwas Finanzierung ist da.

Zentrale Intelligenz Agentur: “From Sketch” (Trailer) from GuteSeiten on Vimeo.

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Ein paar Gedanken zu Exotismus und Volksmusik: Neues Coconami-Album Ensuko / Live

Barbara Muerdter — Tue, 09 Nov 2010 17:19:58 +0000

Normalerweise sind es Menschen aus den europäisch geprägten Ländern, die derzeit (noch) die Nase vorn haben im globalen, mit nicht ganz fairen Mitteln geführten Wettkampf um die kulturelle Vorherrschaft, die mit großen Kulleraugen auf die traditionellen Kulturen der Restwelt schauen, die hoffen, in exotischer lokaler Musik Inspiration und gegebenenfalls sich selbst zu finden.

Unlikely Volksmusikstars: Coconami mit Ferdl Schuster und Brotzeit / Foto: Promo

Hin und wieder passiert das auch umgekehrt, dass Menschen, die nicht als koloniale Objekte mit europäischer Kultur zwangsbeglückt wurden, einen Gefallen am Exotismus europäischer Rootskultur finden. So waren eine Zeitlang die Schweizer Alpen der letzte Schrei als Kulisse für Bollywood-Filme und bei den Indern, die es sich leisten konnten heiß begehrtes Urlaubsland, in dem sie Leute mit lustigen Trachten und Sitten begaffen konnten. Für die Oberschichten der meisten nichteuropäischen Ländern ist es ansonsten der moderne Westen, der ihre Reiselust weckt, oder vielleicht noch das eine oder andere Schloss, ein Dom oder eine Burg. Dass Nichteuropäer sich mit einer hiesigen lokalen Volkskultur identifizieren bleibt die – exotische – Ausnahme.

Nicht zufällig sind es jetzt zwei Japaner/innen, die ihre Liebe zur Bayerischen Volksmusik entdeckt haben. Nicht nur dass ihnen viel Sympathie entgegen strahlt, wenn sie mit mehr Inbrunst und Charme das Isarlied interpretieren als die meisten Bayer/innen. Auch ihr Land, die führende Industrienation Asiens mit noch nicht lange vergangenen kolonialen Ansprüchen, hat im letzten Jahrhundert intensive kulturelle Brüche erlebt und die traditionelle Identität der Bewohner/innen massiv in Frage gestellt bzw. völlig umgekrempelt. Also mag auch hier die Suche nach zumindest vermeintlich unvergifteten Wurzeln, die die eigene Identität in einer globalisierten Welt bestärken, eine Rolle spielen.

Um diese ungebrochenen Unschuld ausgerechnet in Deutschland zu finden, bedarf es wahrscheinlich des Blicks von Menschen, die in sehr fernen Kulturen aufgewachsen sind. Vielleicht ist dieser fremde, neugierige, moderne und keineswegs völlig naive Blick ganz gut, auch für uns mal wieder anders auf unsere eigene Kultur zu schauen, auf Volksmusik jenseits von Musikantenstadl, Nazimißbrauch und Konservatismus. So war es ein Glücksfall, dass Nami und Miyaji mehr oder weniger zufällig nach München gekommen waren. Nami hatte in Japan klassichen Gesang studiert hatte und wollte sich eigentlich zur Musiktherapeutin ausbilden lassen, und Miyaji war eher auf der suche nach kulinarischem Exotismus und wollte das deutsche Bäckerhandwerk erlernen.

Beide sind durchaus Freund/innen eines breit gefächerten Kanons an westlicher Rock-, Pop-, Folk- und Schlagermusik – aber sie erlagen auch dem Charme der Lederhosen und der alten, sehnsuchtsvollen Songs, die sich im störrischen Bayern noch authentischer gehalten haben als anderswo in Deutschland. Als sie dann noch auf den Kneipenwirt und Musiker Ferdl Schuster trafen, war die Kombination perfekt. Der ältere Herr ist von Kopf bis Fuß als Urbayer durchgestylt und beherrscht die archaischen Lieder seiner Vorfahren, ist aber durchaus auf die Moderne und Multikulturalität eingestellt. In seinem traditionellen Wirtshaus gibt es neben Brezeln auch Sushi – über den man sich zusammenfand -, und zu seiner Gästen zählen nicht nur die oberöstereichischen Attwenger, die sich mit moderner Volksmusik befassen, sondern auch der texanisch-mexikanische Santiago Jimenez Jr. und andere, die nächtens gern mal in offenen Sessions musizieren.

2006 nahmen Miyaji und Nami als Coconami ihre erste Platte auf, mit Gastsänger Ferdl. Auf dem zunächst nur in Japan veröffentlichten Album interpretierten sie – noch vor dem allgemeinen Boom des Instruments im Indiebereich – mit Ukulelen, und auch Blockflöten und Karimba bewaffnet neben bayerischen Weisen auch US-amerikanisch-hawaianische Schnulzen, Ramones-Songs und japanische Lieder. Es wurde zunächst nur in Japan veröffentlicht, wo es wahrscheinlich genauso exotisch wirkte wie hier.

Cover

Nich zufällig schloss dann das Münchner Label Trikont die Band ins Herz, sind dessen rührigen Macher doch Experten von die kleinen Diamanten der schrägen, in unserer modernen Welt oft skuril erscheinenden Musik aus aller Welt und allen Epochen. Nach dem Debüt erscheint hier nun auch das zweite Coconami-Album Ensoku, Das heißt auf Japanisch treffend Ausflug oder Reise. Diesmal geht es wieder durch Stile, Epochen und Länder, von Bayern, Berlin und Amerika nach Japan und Italien (der Schlager Tintarella di luna von 1959). Gecovert werden Songs von Slash und den Moonlighters, Liesl Karlstadt, Tillman Rossmy (eine schöne Interpretation vom ohnehin großen Loswerden) und den Blue Diamonds (den Hit der indonesischstämmigen Niederländer, die einst u.a. auf deutsch das japanische Eintopfgericht Sukyaki besangen). Zu denen gesellen sich wieder ein paar japanischen Eigenkompositionen. Im Vordergrund steht der Ukulelensound und Namis wunderbare Stimme, die den stilistischen Gewaltmarsch perfekt zusammenhalten. Wirt Ferdl Schuster interpetiert als Special Guest diesmal die traurige Ballade von der Kaiserbirne. Auch wenn es allen Beteiligten ob der ungewöhnlichen Konstellationen hin und wieder ein Lächeln ins Gesicht treibt, haben wir es hier mit einer neuen globale Volksmusik zu tun, mit Wurzeln auf dem ganzen Globus und in allen Zeiten und Stilen, die “authentischer” ist als jedes Musikantenstadl oder auch jede “Weltmusik”.

Livetermine:
19.11.10: München – Import-Export (CD-Release)
26.11.10: Rosenheim – Strehles Biokantine
05.12.10: München – Palmengarten im Luitpoldblock (Matinee von 11-14 Uhr)
10.12.10: Murnau – Westblock
11.12.10: München – Tanpopo
18.12.10: München – Hausmunik
www.myspace.com/coconami

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Kickstarter-Aktion zu Doku über die Mekons / Tour

Barbara Muerdter — Mon, 08 Nov 2010 01:40:33 +0000

In über 30 Jahren hat die ursprünglich britische, jetzt größtenteils in den USA ansässige Band The Mekons eine erstaunliche Karriere hingelegt. Ende der 70er wurden die Musiker/innen aus Leeds, die angeblich ihre ersten Gigs auf den Instrumenten der Gang of Four gespielt hatten, im Zuge der Postpunkwelle berühmt. Von Anfang an waren sie politisch – ohne Frage links. Typisch Punk, war den damaligen Kunststudent/innen Haltung wichtiger als musikalische Virtuosität. 1984 erhielt das Bandprojekt zum Beispiel noch einmal einen Aufschwung, als man den Bergarbeiter-Streik unterstützen wollte.

Foto: Promo / Derrick Santini

Neben anderen musikalischen Einflüssen wurde die US-amerikanische Countrymusik seit Mitte der 80er zu einem immer wichtigeren Faktor in ihrer Musik. Anfang der 90er zogen Band-Kopf Jon Langford und später auch Mitmusikerin Sally Timms nach Chicago, wo sie bald eine enge Bindung mit dem Alternative Country-Label Bloodshot Records eingingen, die bis heute andauert. Auf dem vor drei Jahren erschienen, derzeit noch aktuellen 26. Album Natural packte sie dann doch die Nostalgie, als sie ein paar Tage im ländlichen England verbrachten und sie widmeten sich der heimischen Folkmusik.

Seit zwei Jahren beschäftigt sich der US-Filmemacher und Journalist Joe Angio mit Dreharbeiten für eine Dokumentation über die Band und ihrer Geschichte. Er reiste für Interviews und Recherche nicht nur duch England und die USA, sondern auch vom globalen kulturellen Mainstream abgelegenere Weltgegenden wie Tadschikistan. Ab Januar will er den Film schneiden und fertigstellen. Dafür hat er jetzt bei Kickstarter zur finanziellen Unterstützung aufgerufen. Ziel ist die Einnahme von 20 000 $ an Spenden. Unter den Unterstützern verlost er u.a. signierte Bücher von Jonathan Franzen, Greil Marcus, Luc Sante, signierte Ausstellungskataloge von Vito Acconc (alles erklärte Mekons-Fans) und Bilder von Bandmitgliedern Jon Langford und Rico Bell.

Möglicher Weise ist es auch der Rummel um den Film, der uns auch in Deutschland wieder mal ein paar Konzerte der Band beschehrt, die aufgrund tendenziell gähnend leerer Hallen hierzulande selten zu Gast ist. Aber Berthold Seliger wagt den Versuch und will die Band vom 26.Mai – 11.Juni 2011 durchs Land schicken (genauere Termine demnächst auf Popkontext oder unter Seligers Webpräsenz).

Tourdaten (2011!):
02.11. Sinkkasten Frankfurt
05.11. C-Club Berlin
07.11. Fabrik Hamburg
08.11. Ampere München

Zu weiteren Informationen über die Mekons ist die Seite Club Mekon sehr zu empfehlen, gestaltet von Norbert Knape, Musikfan und hauptberuflich Lehrer im Emsland, der sich seit Jahren rührig um die Betreuung der Internetpräsenz der Band kümmert.

Webseite Film Revenge of The Mekons
Kickstarter Mekons Film

Interview mit Regisseur Joe Angio bei Quietus

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