Die in Mittelamerika lebende Volksgruppe der Garifuna und ihre Kultur sind ein Produkt der Kolonialzeit. Im 17. Jahrhundert waren Schiffe mit geraubten Westafrikaner/innen vor der Karibikinsel St. Vincent gestrandet. Die Überlebenden vermischten sich mit den einheimischen Kariben. Sie nahmen die indianische Arawak-Sprache an, in die immer mehr europäische Worte einflossen, während in der Religion die westafrikanische Tradition dominierte. Einige Zeit konnten sie im Kampf zwischen Franzosen und Engländern um die Insel ihre Unabhängigkeit bewahren, indem sie mit den Franzosen mehr oder weniger auf Augenhöhe kooperierten. Als dann die Briten die Oberhand gewannen, sahen sie die freien Schwarzen als Bedrohung ihres Sklavensystems und deportierten sie auf andere Karibikinseln, wobei fast die Hälfte der Garifuna starb.

Cover

Im 19. Jahrhundert wanderten viele von ihnen auf das mittelamerikanische Festland, vor allem nach Belize, aus, wo sie heute ca. 7% der Bevölkerung stellen. Ihre lebendige hybride Kultur, in der nicht nur ihre Sprache Igñeri sondern auch kulturelle und religiöse Praktiken aus zwei alten Traditionen bewahrt blieben, wurde in den letzten Jahren als Kulturerbe wieder entdeckt und sogar von der UNESCO als schützenswert eingestuft. Garifuna-Künstler wie der leider kurz nach seinem internationalen Durchbruch 2008 verstorbene Musiker Andi Palacio mischten die alte Kultur mit modernem Rock und Jazz, während sich CDs wie Umalili – The Garifuna Women’s Project oder Ibimeni eher der traditionellen Seite zuwandten.

In diese Kerbe schlägt auch die aktuelle Veröffentlichung des Londoner Soul Jazz Labels. Experten des Labels sind 2010 höchstpersönlich nach Belize gereist, mit der Größe Hessens das zweitkleinste Land Amerikas, welches in diesem Jahr seine 30jährige Unabhängigkeit von Großbritanien feiert. Labelgründer Stuart Baker fuhr nach Dangriga an der Karibikküste, einer Hochburg der Garifuna-Kultur, um mit dortigen Künstler/innen aufzunehmen. Im Mittelpunkt steht die Trommel, eine Mischung aus westafrikanischer Djembe und karibischen Bauarten.

Auf dem Album sind verschiedenen Stile der traditionellen Musik zu hören, wovon der Populärste die Punta ist, die seit den 70ern auch elektrisch verstärkt gespielt wird. Zudem gibt es ein ausführliches Booklet mit der Geschichte der Garifuna, Fotos von den Aufnahmen und Übersetzungen der Songtexte. Für Liebhaber/innen gibt es auch noch eine exklusive auf 1000 Exemplare limitierte Vinylversion.

Reinhören bei Souljazz Records (Samlpes)

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Vorgestern wäre der legendäre US-amerikanische Singer-Songwriter Woody Guthrie 99 Jahre alt geworden. Plus eins macht nach Adam Riese 100 – was nichts anderes heißt, als dass uns nächtes Jahr ein großes Jubiläum ins Haus steht. Woody Guthrie ist trotz seines Hangs zum Kommunismus in den USA ein Nationalheld – und gilt weltweit zumindest im westlich geprägten Diskurs als einer der größten Musiker aller Zeiten. So hat die Guthrie Foundation schon mal vorsorglich eine Webseite an den Start geschickt, auf der sämtliche Feierlichkeiten koordiniert werden.

Foto: Library of Congress

Guthrie wuchs als Sohn eines wenig erfolgreichen ländlichen Geschäftsmanns im US-Bundesstaat Oklahoma auf. Neben diversen familiären Katastrophen erlebte er auch mehrere gesamtgesellschaftliche Dramen in jungen Jahren persönlich mit, die sein Schaffen stark beeinflussen sollten. Er erlebte Rassenhass und die Armut der Farmer, die durch die Great Depression, die US-amerikanische Ausprägung der Weltwirtschaftskrise, und eine zusätzliche Dürrekatastrophe in den 1930ern noch verstärkt wurden und viele Menschen aus der Heimat vertrieb. Auch Guthrie begab sich auf die Reise, aus ökonomischer Not, die jedoch mit jugendlicher Abenteuerlust und dem Drang, die Welt zu entdecken zusammenfiel.

Er lebte zunächst in Texas bei seinem Vater, wo er viel las und sein musikalisches Interesse vertiefte. Er verdingte sich als Straßen- und Kneipenmusiker, ging jedoch dann wie viele seiner Landsleute aus der alten Heimat nach Kalifornien, wo er ebenso wie sie auch als schlecht bezahlter Plantagenarbeiter sein Geld verdiente. Dabei entwickelte er einen immer stärker sozialkritischen Blick. Er begann bei einer Radiostation zu arbeiten, wo er auch seine ersten politisch geprägten Songs aufführte, die in den Zeitgeist fielen. Er sympathisierte wie viele seiner Landsleute damals mit den Ideen der kommunistischen Partei und schrieb Ende der 30er eine Kolumne für deren Blatt The Daily Worker.

1940 ging er nach New York, wo er sofort Anschluss an die linke Kulturszene fand. Er schrieb seinen bekanntesten Song This Land is Your Land, das heute eine der inoffiziellen Nationalhymnen der USA ist, und lernte den gleichgesinnten Folk-Musiker Pete Seeger kennen, der mit ihm die Almanach Singers gründete. Eine weitere musikalische Freundschaft verband ihn mit dem afroamerikanischen Musiker Huddie “Lead Belly” Ledbetter. 20 Jahre später bezog sich die aufkeimende neue Folkszene vorrangig auf sein Schaffen und seine Präsenz in der Stadt. Einer seiner größten Fans, der den aufgrund einer Erbkrankheit Dahinsiechenden noch in der Klinik besuchte, war ein junger Bursche namens Robert Zimmermann, der sich auch Bob Dylan nannte.

Jubiläumsseite Woody 100

Zwischendurch engagierte sich Guthrie im Auftrag der Regierung noch für den Neubau der Staudämme im pazifischen Nordwesten der USA, wieder in New York für sozialistische Ideale bei Seegers Almanac Singers, wurde vom Bewahrer der vergehenden Volkskultur Alan Lomax über sein Aufwachsen in Oklahoma befragt, diktierte seiner zweiten Frau seine teilweise fiktionale Autobiografie Bound for Glory – und nahm vor allem seine Songs für Folkways Records auf. Im Krieg arbeitete er als Geschirrspüler auf Schiffen der Handelsmarine, um den Soldaten seine politischen Songs vorzustellen, nachdem er nicht für die Truppenbetreuung rekrutiert wurde. Nach dem Krieg nahm er zunächst weiter Musik auf, und lernte seinen Schüler Ramblin’ Jack Elliott kennen, der ein wichtiges Bindeglied zur nachfolgenden Generation werden sollte. Guthries Erbkrankheit, Chorea Huntington, begann sich aber immer stärker auf seine Gesundheit und sein Sozialverhalten auszuwirken, so dass er seine letzten Lebensjahre als Pflegefall in diversen Krankenhäusern und Heimen verbrachte. 1967 starb er in New York.

2012 soll es nun das ganze Jahr über diverse Ehrungen geben – in seiner US-amerikanischen Heimat, aber auch erstaunlich viel im deutschsprachigen Raum. So soll es u.a. im Februar in Berlin im Rahmen eines Political Songwriter’s Festival – möglicher Weise eine wiederbelebte Version des Festivals des Politischen Liedes aus DDR-Zeiten? – eine Ausstellung, Diskussionsrunden, Filme und ein Konzert geben, im November in Münster ein Woody Guthrie Festival. Genauere Informationen gibt es zu gegebener Zeit hier bei Popkontext.*

*Tatsächlich handelt es sich um Veranstaltungen des Festivals Musik und Politik 2012 vom 23. bis 26. Februar. Es wird eine Ausstellung, ein Gespräch und ein Konzert mit Wenzel & Band, der Revue Woody Sez und Tom Morello (Audioslave / Rage Against The Machine) geben. Sobald es mehr Infos gibt, hier ein Link dahin.

Update:
Alle Artikel auf Popkontext zum Woody Guthrie-Jahr 2012 sind unter dem Tag “Woody Guthrie 100” zu finden.

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Dem Afrosound scheint es zu gehen wie einst dem Blues: Während sich die junge Generation in Afrika entweder ganz der 1:1. Reproduktion von US-amerikanischem HipHop und R&B widmet, oder neue hybride Formen wie Kwaito, Coupé Decalé oder Kuduro entwickelt, sind es zumeist weiße junge Menschen im Westen, die ihre Vorliebe für die Sounds des schwarzen Afrika der 60er und 70er entdecken.

Cover

In den letzten Jahre entwickelte sich in Europa und den USA eine Liebhaber-Labelszene (wie z.B. Analog Afrika in Deutschland) und einschlägige Blogs, wagemutige junge Männer sehen es als Herausforderung, die letzten ungehobenen Schätze vor Ort zu erbeuten. Wie schon die ersten Afrobeatplatten die westlichen Musiker der New Wave-Ära von Brian Eno bis zu den Talking Heads inspirierten, fanden sich auch in den 90ern und 2000ern junge Musiker/innen, die sich den Afrosounds verschrieben. Bekannt wurde der Trend 2008 mit der New Yorker Band Vampire Weekend, die sich eher spielerisch mit verschiedenen Sounds des Kontinents beschäftigen. Andere Bands fusionierten Soul, Jazz und Funk, die ja auch eine Grundlage des Afrobeats waren, wieder mit diesen – manche benutzen sie als Inspiration, andere halten sich an größtmögliche Originaltreue.

“Afro-Soul” ist eine dieser Spielarten – ihm frönt nicht nur die New Yorker Budos Band, die dieser Tage in Deutschland und der Schweiz auf Tour ist, sondern mit einer anderen Herangehensweise auch die Shaolin Afronauts aus dem australischen Adelaide. 2008 hatten die Mitglieder der 60s Soul-Combo die Band als Seitenprojekt ins Leben gerufen, inspiriert vom Afrobeat Fela Kutis, aber mehr noch von äthiopischen Jazz eines Mulatu Astatke. Ebenso interessierte sie jedoch der Widerhall dieser Musik bei den afroamerikanischen Jazzmusikern jenseits des Atlantik.

Mit Gitarren, Bass, Schlagzeug und einer dreiköpfigen Bläsergruppe ausgestattet, sind sie aber vor allem perkussiv gut besetzt: mindestens genauso viele weitere Musiker betätigen diverse Schlagwerke von Congas bis Kuhglocken, mit denen sie dynamische, treibende, aber gleichzeitig fragile und feinsinnige polyrhythmische Strukturen erzeugen. Mit ihrem am Ethos der freien Improvisation orientierten Sound wurden sie in Australien schnell bekannt. Jetzt veröffentlichen sie auf dem kleinen britischen Retro Groove-Label Freestyle Records mit Flight of the Ancients ihr Debütalbum. Tourdaten im deutschsprachigen Raum oder überhaupt in Europa sind bisher noch nicht bekannt.

Journey Through Time – The Shaolin Afronauts(FSR091) by Freestyle Records
The Shaolin Afronauts – Flight Of The Ancients: VÖ 22. Juli 2011

Bei Soundcloud reinhören

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Männer in eigenwilligen Clownskostümen, an Po und Bauch ausgepolstert, Frauen in traditionellen Röckchen schütteln ihre Hinterteile heftig zu atemberaubend schneller elektronischer Musik mit afrikanischem Rhythmus. Auch wenn die Bewegungen durch die starke Betonung auf den Unterleib extrem sexuell erscheinen, ist das Ganze offenbar ein Spaß für die ganze Familie, denn unter den Tänzer/innen sind sowohl Kinder als auch ältere Semester. Youtube-Videos waren mehrere Jahre die einzigen Dokumente, die diesen neuen südafrikanischen Tanzstil in die Welt hinaustrugen und schnell mehrere Tausend Clicks bekamen.

Cover der Hones Jon's Compilation

Das umtriebige Londoner Label Honest Jon’s wurde aufmerksam und veröffentlichte vor einem Jahr eine Compilation namens Shangaan Electro: New Wave Dance Music From South Africa. Labelchef Mark Ainley und Mark Ernestus (Ex Basic Channel) hatten darauf 12 Tracks zusammen getragen, die zwischen 2006 und 2009 im Studio des Produzenten Nozinja in Johannesburg aufgenommen wurden. Mit dieser Compilation wurde man auch im Westen auf diesen Musikstil aufmerksam, dem bisher nur im Nordosten Südafrikas und in Johannesburg und anderen Enklaven des Tsonga-Volks gefrönt wurde.

Nozinja, bürgerlich Richard Hlungwani, ist ein Angehöriger dieser Tsonga – oder auch Shangaan – genannten Ethnie, die vorrangig in Mosambik und in angrenzenden Teilen Südafrikas lebt und in dem Ruf steht, ein außergewöhnlich freundliches Völkchen zu sein. Geboren und aufgewachsen ist er in Giyani, unter dem Apartheid-Regime Hauptstadt des Gazankulu-Homelands der Tsonga, heute in der heißen, ländliche geprägten Provinz Limpopo.

Hlungwani zog nach Soweto, dem legendären Viertel Johannesburgs, in das in das in den 60ern viele der Nichweißen aus der Innenstadt der größten Stadt Südafrikas, speziell des multikulturellen Vergnügungsviertels Sophiatown, abgeschoben wurden, wo er ein paar Läden betrieb. Kein Mitglied der jungen, hippen urbanen Avantgardeszene Südafrikas wie z.B. Spoek Mathambo, sondern ein molliger Geschäftsmann mittleren Alters, begann er 2005, Musik zu machen. Wo andere auf die Musik des Westens, vor allem HipHop und Pop, schauten, bezog sich der Quasi-Expat in der Vielvölkermetropole auf die Musik seiner Heimat – und motzte die traditionelle Musik seiner Vorfahren elektronisch auf. Die schon vorhandene Hybrid-Version Shangaan Disco beschleunigte er von 110 Beats per Minute auf über 180, weil es dem Tanzstil der Leute entsprochen hätte und sie erst bei diesem Tempo richtig in ihrem Element seien. Moderne Shangaan-Musik wird normalerweise mit Bass und Lead-Gitarre gespielt – darauf verzichtete Hlungwani völlig, sondern setzte auf Keyboards, elektronische Beats und eingespielte Marimba-Klänge. Darüber legte er sparsam eingespielte, hochgepitchte Voice-Samples auf Englisch.

Shangaan Traditioneller Tanz / Foto: Wikipedia / User Laura_SA

Es ist kein Zufall, dass sich nicht Kassetten oder CDs, sondern DVDs als Hauptmedium für den Vertrieb des neuen Stils erwiesen – denn der Tanz ist ebenso wichtig wie die Musik. Auch hier setzte Hlungwani nicht auf moderne westliche Vorbilder, den in Afrika omnipräsenten Hip Hop wie beim Kwaito, sondern neben den traditionellen Tsonga-Tänzen auf Pantsula. Das Zulu-Wort beschreibt den Tanzstil auf den Punkt – es heißt so viel wie „wie eine Ente“, oder mit „ausgestrecktem Hinterteil“ laufen. Dieser Stil war besonders in den 80ern unter den Tsotsis, den schwarzen Ghetto-Kleinkriminellen und Vorreitern der subversiven Underground-Kultur, in den Townships populär und hatte in seiner phantasievollen Ausschmückung Parallelen zum US-amerikanischen Breakdance.

Für eine seiner Bands, die Tshetsha Boys, entwickelte Hlungwani bunte, ein bisschen unheimlich wirkende Clownskostüme und Masken, die auch ein wenig an die alten Ritualverkleidungen der Tsotsa erinnern, und inzwischen zum Markenzeichen des Shangaan Electro geworden sind. Die Idee kam ihm aus sehr prosaischen und rein marktwirtschaftlichen Gründen, wie der inzwischen mit mehreren südafrikanischen Grammys geehrte Produzent, Manager und Vertriebsleiter freimütig zugibt – man wollte Kinder ansprechen, um so auch deren Familien zu erreichen.

Hlungwani gibt sich nicht damit zufrieden, in seiner Heimat populär zu sein. Mit der Veröffentlichung der Compilation auf Honest Jon’s und dem Interesse von Veranstaltern in Europa und den USA, die seiner Musik erst den Namen “Shangaan Electro” verpassten, sah er die Chance, diese in die Welt hinauszutragen. Hier wird sie allerdings nicht als Mainstream-Pop rezipiert, sondern ist ein Nischenprodukt für aufgeschlossene Musikfreund/innen. So findet die einzige Deutschland-Show seiner derzeitigen Europatour in Berlin nicht in der Betonmehrzweckhalle namens O 2-Arena statt, oder im für Außereuropäisches zuständigen Haus der Kulturen der Welt, sondern im hippen Tempel der elektronischen Musikkultur, dem Berghain, ausgerichtet vom avantgardeorientierten Club Transmediale. Mastermind Hlungwani, der unter seinem Künstlernamen Nozinja auftritt, hat ein Best Of seiner Künstler/innen dabei: Die Tshetsha Boys, Tiyiselani, Nkata Mawewe und natürlich seine besten Shangaan-Tänzer/innen.

Termin:
30. Juni 20 Uhr

Ort:
Berghain
Am Wriezener Bahnhof
10243 Berlin

Ankündigung des Berghain

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Im Rahmen der Berliner Stiftungewoche fand am Montag eine Veranstaltung unter dem Titel Wie Stiftungen guten Journalismus stützen statt. Ausgerichtet von der BMW Stiftung Herbert Quandt und Stiftung Wertevolle Zukunft. Eingeladen waren Nikolaus Blome (Bild Hauptstadtredaktion), Bascha Mika (Publizistin), Volker Lilienthal (Universität Hamburg, Rudolf-Augstein-Stiftungsprofessur für Praxis des Qualitätsjournalismus), Leonard Novy (Stiftung Neue Verantwortung); moderiert wurde sie von Ralf Müller-Schmid, Redaktionsleiter DRadio Wissen. Es sollte darum gehen, wie Stiftungen „unabhängigen Journalismus in seiner demokratischen und gesellschaftlichen Funktion“ unterstützen. Das spielte allerdings nur relativ am Rande eine Rolle – es ging vor allem um den Stand und die Zukunftschancen des Printjournalismus im Allgemeinen.

Beliner Stiftungswoche Logo

Strukturwandel und Krise in den Printmedien

Zunächst gab es eine Keynote von Lewis A. Friedland, University of Wisconsin-Madison über die (wie bekannt sehr desolate) Situation der Medien in den USA und die Rolle, die Stiftungen dort spielen. Später einigte man sich schnell darauf, dass die Situation dort jedoch eine andere sei, da in den USA die Zivilgesellschaft etwas leistet, was der Staat nicht leistet. Doch auch hierzulande geht es dem Journalismus schlecht, zumindest in der Tendenz. Nicht dass das eine neue Erkenntnis wäre, und so wurde in der ersten Hälfte der Diskussionsrunde über Dinge geredet, die zumindest jede/r Zweite aus dem anwesenden Fachpublikum auch aus dem Stegreif hätte referieren können.

Wenn von einem struktureller Wandel der Medien durch das Internet die Rede war und von fehlenden Bezahlmodellen fürs selbiges, ist wahrscheinlich kaum eine/r der Zuhörer/innen vor Überraschung vom Stuhl gerutscht. Bei Lilienthals Feststellung, das die Journalisten zu schwerfällig seien, sich mit den neuen Medien zu beschäftigen stellte sich die Frage, ob sein freimütiges Bekenntnis, er selbst habe gerade bei einem Seminar zu Online-Recherche noch dazu gelernt unbedingt sein musste. Dass es nur die Printmedien beträfe, wie es insgesamt anklang, ist so nicht ganz richtig, aber da neben zwei Akademikern nur (Ex-)Mitarbeiter/innen von Printmedien anwesend waren kein Wunder, dass diese im Mittelpunkt standen.

Das Prinzip Zeitung unabhängig vom Medium erhalten

Bascha Mika, (die fast ausschließlich aus ihrer Position als Ex-taz-Chefin sprach, und man sich die Frage stellte, warum man nicht gleich die aktuelle, Ines Pohl, eingeladen hatte) ging es darum, „das Prinzip Zeitung zu retten“, egal ob auf Papier oder Online. Wissen statt Information sei hier der Punkt, die Zeitung habe Tiefe, sei ein analytisches Medium, was Fernsehen oder Radio in der Art nicht leisten könnten. Eine Zeitung sei auch eine „Wundertüte“, in der man nicht wie bei Online gezielt nach einem Thema suche, sondern auch zufällig auf Themen stößt. Beim Wechsel zu Online sei die alles entscheidende Frage: Wie bezahlt man vernünftige Recherche, woher das Geld für Reisen?

Volker Lilienthal betonte, dass der Strukturwandel dann keine Katastrophe sei, wenn man “die gute alte journalistische Tugenden” in das neue Medium hinüberretten könne. Es sei eine zivilgesellschaftliche Aufgabe, dass der Journalismus nicht unter die Räder gerät.

Ein Problem sah vor allem Mika im Desinteresse des Publikums, das keine Wertschätzung, d.h. Zahlungsbereitschaft für den Qualitätsjournalismus habe. Man kaufe bei Starbucks ekeligen Kaffee zu überteuerten Preisen, aber ein paar Cent für eine gute Zeitung seien schon zu viel – wo sie von Blome Zustimmung erhielt, dass Zeitungen viel zu billig seien. Mika räumte ein, dass sich Leser schon über die grottenschlechten Regionalblätter beschwerten, aber es müsse eigentlich einen öffentlichen Aufstand geben, der aber ausbleibe. Sie sieht für die Zukunft einen Abschied vom Qualitätsjournalismus bei weiten Teilen der Bevölkerung. Die Frage sei: Für wen machen wir welchen Journalismus. Früher habe die Süddeutsche jeder in der Region gelesen: Bäckersfrau, Kleingärtner, Intellektuelle. Jetzt werden die Zielgruppen immer spezifischer – bestimmte gesellschaftliche Gruppen werden ihre Zeitung halten. Verleger hätten in der Mehrzahl kein Interesse an Qualitätsjournalismus.

Blome wies darauf hin, dass der Scheidepunkt weniger zwischen Boulevard und Qualitätsmedien verliefe, sondern zwischen überregionalen und regionalen Blättern. Letztere würden den nächste Krise nicht überleben, wenn es nicht zu Fusionen komme. Es sei zudem eine Krise des Trägermediums, das durch Herstellungskosten und Vertrieb so teuer sei. Ansonsten sei Journalismus online nicht anders, wenn denn ein brauchbares Bezahlmodell gefunden würde, an das er aber zuversichtlich glaube. Als Beispiel nannte er unter anderem die britische The Times, bei der das schon funktioniere.

Mehr Bürgerbeteiligung durch neue Technologien möglich – und nötig

Bascha Mika beschwert sich, dass der Qualitätsjournalismus teuer für Print produzierte Artikel im Netz „verschleudert“ – was dann allerdings nicht mit dem von Blome mehrfach als Beispiel genannten erfolgreichen Konzept der Zeit zusammenpasst. Diese stellt nicht nur viele Texte ins Netz, sondern produziert extra für dieses. Zudem hat auch als eine der ersten das Bloggerprinzip aufgenommen, für den der Guardian, der jetzt sogar nach dem Digital First-Prinzip arbeitet, als innovativ gelobt wurde.

Das nicht ganz neue, aber immer noch in der frühen Testphase befindliche und keineswegs angekommene Konzept des Mitmachens der verstärkten Leser/innenbeteiligung über Kommentare und Blogs, und auch die Einbindung professionell gemachter Blogs wurde ausgiebiger diskutiert. Lilienthal meinte, dass sich Publikum sich besser einbringen könne und mehrt Dialog stattfände erhöhe den Rechtfertigungsdruck auf die Journalisten, der aber eine Chance zur Optimierung des Angebots erhöhe. Novy sprach an anderer Stelle von „responsiven Praktiken“, nicht mehr dem Motto: Ich mache das Blatt, was mir gefällt.

Journalistische Qualität bleibt notwendig

Von journalistischen Laien verfasste Blogs könnten aber die professionelle journalistische Arbeit nicht ersetzen, sondern nur ergänzen, war man sich einig. Bascha Mika meinte zum Zusammendenken von Qualitätsjournalismus und Bürgermedien, dass zum Prinzip Zeitung auch journalistische Standards gehören, auf die die Journalist/innen „gestoßen werden“ können. Blome sprach von einer „intelligenten Art des Weglassen“ im Journalismus – man reduziert das zu Berichtende auf die Kernpunkte und setzt es in einen Kontext. Das Gegenteil sei beim Bürgerjournalismus der Fall: Online gäbe es unendlich viel Platz – und da ließe man sich dann ausführlich aus, und anscheinend gäbe es auch Leute, die unendlich viel Zeit hätten, das auch zu lesen.

Lilienthal hielt dagegen, dass es eben die Blogger/innen seien, die wegließen: Beim ihnen stehe das persönliches Anliegen im Vordergrund, während die gesellschaftlich relevante Ebene wegfiele, wo es Aufgabe der Journalisten sei, das ganze Bild zu liefert. Der Journalismus habe eine vermittelnde Aufgabe, die in Zeiten der Krise bedroht sei. Als Beispiel nannte er, dass der WAZ-Konzern kein Geld mehr für Regionalberichterstattung hätte und so auf die glorreiche Idee gekommen wäre, einfach einen Volontär zur Ratssitzung zu schicken und den Audiomitschnitt online zu stellen.

Als Beispiel dafür, dass professionell gestaltete, über Kleinspenden finanzierte Blogs teilweise schon die Aufgaben der Regionalberichterstattung übernähmen, nannte Novy Regensburg Digital. Er forderte eine Zusammenarbeit mit klassischen Medienhäusern, um so eine gesellschaftliche Anschlussfähigkeit zu erreichen.

Orientierung an Marktwirtschaft oder öffentlich-rechtliche Tageszeitungen?

Jetzt kam man endlich zum Kernpunkt – wie kann die Finanzierung funktionieren, wenn das Geschäftsmodell nicht mehr profitorientiert oder profitabel ist – , nachdem Lilienthal den Moderator mehrfach angegangen war, dass man sich doch bitte am Thema des Abends orientieren solle. Novy fragte, ob der Vorschlag von Habermas, für den er 2007 fast gesteinigt worden ist, öffentlich-rechtliche Zeitungen zu machen, heute wieder diskussionsfähig sei. Blome sagte wenig überraschend: „Eine große GEZ -Gebühr für ARD und ZDF gedruckt will ich nicht.“ Eine Zeitung müsse sich am Markt orientieren, was die Leute wollen. Zeitungen über Parteien zu finanzieren wurde schon probiert – funktioniert nicht, weil das keiner haben will.

Mika konterte: Die taz habe sich zu aller erst an der Politik orientiert, dann am Journalismus und jetzt zum Schluss zumindest auch etwas am Markt. Journalismus darf nicht wie Produktion von Wurst oder Käse sein und die gesellschaftliche Funktion der ökonomischen Ebene total untergeordnet, meinte sie.

Welche Rolle können Stiftungen spielen?

Wie können Stiftungen da helfen? Ohne z.B. auf den Guardian zu schauen, der meines Wissens nach neben dem Verkauf und Werbeanzeigen ausschließlich oder vorrangig aus einer Stiftung finanziert wird, sind sich hier alle einig: Stiftungen können nur in Zeiten des ökonomische Drucks als Hilfe dienen, und zwar bei „technologisch getriebene Innovationsprojekten, nicht zum Bewahren ökonomischer Strukturen“, wie Novy anmerkte. Sie seien „keine karitative Veranstaltung für einen Totkranken“. In den USA kämen nur 0,2 % des gesamten Spendenaufkommens für Journalismus. US-Stiftungen helfen bei Digitalisierung, Recherche Lokaljournalismus, wobei die Orientierung am Gemeinwohl liege. Er wies dabei noch einmal auf den Unterschied zwischen gemeinnützigen / kommerziell orientierten Stiftungen hin.

Als Beispiele, die auch in Deutschland funktionieren könnten nannte er Pro Publica, wo man sich um vernachlässigte Themen kümmert, oder Stateline, wo es um good + bad gouvernance gehe. Bei letzteren kritisierte er, dass deren Artikel zwar kostenlos von anderen Medien übernommen werden dürfen, allerdings nicht redaktionell bearbeitet. Lilienthal sieht Stiftung als wohltätiges Gebilde, das die sich wandelnde Gesellschaft beobachtet und als intervenierender Impulsgeber agiert, der kleine, aber feine Projekte finanziert. Sie können Anschubfinanzierungen leisten für Projekte, die dann in der Marktwirtschaft betsehen müssten. Als Beispiel nannte er das Netzwerk Recherche und den Otto Brenner-Preis, wo Blome lobend zustimmte. Übernahmen könnten sie nicht leisten, da sie lieber ihr Geld in Unis geben, wie z.B. die VW-Stiftung. Lilienthals Professur an der Uni Hamburg wird von der Rudolf-Augstein-Stiftung finanziert.

Parteibhängigkeit und PR vermeiden

Lilienthal meinte, Stiftungen müssen überlegen, wie man Aufmerksamkeit für gute Medieninhalte organisiere, wer sind die Partner seien und wie man Leute erreiche. Als potentielle Probleme bei der Stiftungsförderung sieht er einerseits inhaltlicher Einflussnahme als auch die Orientierung an relevanten Themen. Als negativ-Beispiel nannte er den derzeitigen Boom der Journalistenpreise für alles mögliche – „sogar die Friseurinnung schreibt schon einen aus.“ Damit gleite man in die PR ab.

Zudem muss man sich vor parteipolitischer Orientierung schützen. Auf Blomes provokative Frage: „Würden sie es gut finden, wenn die taz von der Heinrich Böll Stiftung übernommen würde?“ rief Bascha Mika entsetzt: „Um Gottes Willen.“Auch die Genoss/innen dürften sich bei der taz nicht politisch einmischen. Es müsse eine extra Stiftung für die Zeitung geben.

Bei der naiven Frage, ob denn die Bild nicht aus dem erwirtschafteten Überschuss in gemeinnützige journalistische Projekte investieren wolle, musste sogar der sonst so beherrschte Blome etwas kichern. Man investiere schon in Journalismus, aber dann doch lieber im eigenen Blatt – nicht als „Ablass“ an die Öffentlichkeit. Als Beispiel nannte er die Rechercheserie Griechenland, die 40 000 Euro gekostet habe. Jemand merkte dann noch an, was jeder weiß, aber Blome auch nicht sagte: Im Axel Springer-Verlag werden die Profite in das defizitäre „Qualitätsblatt“ Die Welt gesteckt.

Schluss voller offener Fragen

Zum Schluss machte Bascha Mika noch einmal klar, dass die Frage nicht die nach dem Medium sei, sondern die Frage ist die nach Journalismus: Wie kann man den aufklärerischer Gesichtspunkt aufrecht erhalten und ein Publikum finden? Die Frage nach der Funktion in der Demokratie wichtig, Technologie Wurst, das sei die Aufgabe von Anderen, sich darum zu kümmern. Offenbar aus ihrer Sicht auch die nach der Finanzierung. Sie stellt lediglich fest: Guter Journalismus muss erschwinglich bleiben, aber auch Wert haben.

Novy erzählte von Dave Eggers, der in San Francisco teure Zeitungen für Eliten mache und sieht eine Spaltung Info-Elite und die Abgehängten. Es drohe die Krise der öffentlichen Information. Die neue Medienlandschaft im Netz biete viele Bits and Pieces, aber wenig Orientierung, was zu einem Verlust der sozial-integrativen Funktion der Medien führe. Er sehe zwar nicht den Untergang des Abendlandes kommen, aber stehe dem “Netztriumphalismus” ebenso kritisch gegenüber, denn Bürgermedien allein funktionierten auch nicht.

Dann kam man noch mal auf den Trichter, dass das Thema Stiftungen und Journalismus eigentlich gar nicht so neu sei: Bereits 1949 gab es bei der Frankfurter Rundschau Bestrebungen, den Verlag zu einer gemeinnützigen Stiftung zu machen, was aber auf Druck der Amerikaner verhindert wurde. 1973 wurde die gemeinnützige Karl-Gerold-Stiftung gegründet, die seinerzeit 100-prozentige Eigentümerin des Druck- und Verlagshaus Frankfurt wurde, das die FR herausgibt. Seit 2004 hält die Stiftung noch einen Stammkapitalanteil von 10 Prozent.

Kernthema verfehlt und zu hausbacken

In der anschließenden kurzen Diskussion, bei der der Moderator bat, keine „Co-Referate“ zu halten sondern sich kurz zu fassen und Fragen zu stellen, gab es u.a. noch Anregungen zu Förderung von Bürgermedien „als Labor“ und „angewandte Medienkompetenz“, Kritik, dass Crowdfunding (wie so vieles andere zum Kernthema, z.B. die Kulturflatrate oder die Kulturwertmark) nicht besprochen wurde. Ein Besucher merkte an, dass als Bezahlmodell auch Online nur ein „Bouquet“ aus Meldungen, Hintergründe etc. funktionieren könne, als Gesamtpaket und nicht einzelne Artikel – wozu Blome und Mika nickten. Mika wies in diesem Zusammenhang noch einmal auf die gestaffelten Abopreise der taz hin. Lilienthal meinte, es würde auf eine Mischkalkulation Boulevard / Qualitätsjournalismus hinauslaufen, wie er einerseits bei den Öffentlich-rechtlichen, aber auch beim Springer-Verlag zu finden sei.

Alles in allem wurde neben dem verfehlten Thema auf der Veranstaltung zu viel Altbekanntes wiedergegeben, und viel Neues und Interessantes weggelassen. Bei mir meldete sich die Erkenntnis zurück, dass es das Beste wäre, mit fitten, jüngeren, weniger eingefahrenen Kolleg/innen neue Projekte aufzuziehen, anstatt sein Glück bei den etablierten zu versuchen und frustriert zu scheitern. Solche innovativen Projekte wären doch im Sinne von Stiftungen förderungswürdig.

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Als der damals 15jährige Jamel Shabazz Mitte der 70er anfing, in seinem Umfeld zu fotografieren, ahnte er noch nicht, das seine Bilder einmal ein wichtiges Zeitdokument nicht nur einer Ära, sondern auch eines Musikstils werden sollten, der seitdem die Welt erobert hat.

Shabazz fotografierte mit seiner Canon AE-1 35mm in Brooklyn, der Bronx und Manhatten die aufkeimende HipHop Kultur, Leute, die er cool fand. Er machte selten Schnappschüsse, lauerte nicht auf den Moment, wo sich sein Objekt unbeobachtet fühlt, sondern sprach die Leute direkt an und gab ihnen das Gefühl, etwas Besonderes zu sein: “Ich bin Jamel Shabazz und ich bin Fotograf. Wenn ich dich sehe, sehe ich Größe. Ich sehe die Zukunft.”

Jamel Shabazz 1983 / Copyright: Jamel Shabazz

Die Zukunft ist nun lange Vergangenheit; was war, hat inzwischen ganz neue Formen angenommen, die Protagonist/innen, so weit noch am Leben, inzwischen ältere Semester, und ihre Ikonen hängen im Museum. Unter anderem Shabazz’ Bilder von B-Boys und Fly Girls in Kangol-Hüten, Adidas-Windjacken und Puma-Turnschuhen, die für seine Kamera posierten. Seine liebsten Fotografierorte waren die Straße und die U-Bahn – wegen der Menschen dort, aber auch wegen des Lichts. Schon der leicht bräunliche Charkter der zumeist farbigen Kodak-Abzüge erschein vintage.

Die Welt, die Shabazz dokumentiert hat, kommt uns heute merkwürdig fern und unschuldig vor – und gleichzeitig vertraut. Einer, der uns Nachgeborenen, in Deutschland Lebenden diese fremden Orte und die ferne Zeit näher gebracht hat, ist der Regisseur Charlie Ahearn. Er hat einen der populärsten frühen HipHop-Filme gedreht – Wild Style, 1982, zwei Jahre, nachdem die neue Ghettokultur des schwarzen New York auch international bekannt geworden war. Er ist ein langjähriger Freund von Shabazz und hat nun unter dem schlichten Namen Jamel Shabazz – Street Photographer einen Dokumentafilm über ihn gedreht.

Aus dem Bildband Back in the Days / Copyright: Jamel Shabazz / Courtesy Powerhouse Books

Schon 2003 gab es eine gemeinsame Foto-Ausstellung über die Roots der HipHop-Kultur: Under One Groove im niederländischen Eindhoven. Der Dokumentarfilm geht jedoch über die alten Tage hinaus. Denn bis heute zieht Shabazz, der jetzt mit einer digitalen Contax 645 Mittelformatkamera vor allem in seinem Lieblingsort Brooklyn arbeitet, tagtäglich aus, um das Leben vor allem der Afroamerikaner in New York zu dokumentieren, in allen Wandlungen der letzten 30 Jahren. Seine Fotos hat er in den 2000ern in drei Bildbänden zusammengefasst: Back in the Days, über die Hip Hop Kultur 1980-89, The Last Sunday in June über die Gay Pride Parade, und A Time Before Crack, wieder über die Hip Hop-Kultur 1979-1985. Dazu kommt das autobiografischen Seconds of My Life, das mit der Geschichte beginnt, als der Neunjährige von seinem Vater das Buch Black in White America von Leonard Freed gezeigt bekommt.

Er sah sich schon immer auch als Geschichtenerzähler und Lehrer, ein Griot der Großstadt mit modernen Mitteln. Aber seine Bilder sind auch ein “Bildertagebuch seines Lebens”, wie Shabazz es sagt. So kommen Persönliches, lokale Geschichte und globale Kulturgeschichte in Shabazz Arbeit zusammen. Im Film kommen zudem Rapper wie Fred Brathwaite, aka Fab 5 Freddy, und KRS-One, zu Wort, um Shabazz Arbeit in diese Geschichte einzuordnen.

Ahearns 77-minütiger Film soll am 26. Juni auf dem Brooklyner Filmfestival BAMcinemaFEST Premiere feiern.

Website Jamel Shabazz
Website Charlie Ahearn
Fotos aus dem Bildband Back in the Day
Interview with Jamel Shabazz (English) via Miss Rosen
Interview with Jamel Shabazz via

Fotogalerie bei der NYT
Fotogalerie bei GUP Magazine

via i-ref

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Wieder ist einer der ganz Großen von uns gegangen, einer der wichtigsten Vertreter der afroamerikanischen Musikkultur und Dichtkunst auch jenseíts der Popmusik. Der Autor, Spoken Word-Artist und Musiker Gil Scott-Heron war ein zentrales Bindeglied zwischen der afroamerikanischen Bürgerrechtsbewegung der 50er und 60er und der Rapmusik der späten 70er und 80er Jahre, der bis in die Jetztzeit hinein wirkte, Zeitgenossen wie Curtis Mayfiled und George Clinton ebenbürtig. Über jazz- und soulgetränkte Musik sprach er in seiner warmen, rauen Stimme vom Alltag der afroamerikanischen Community, von Alkoholismus und Diskriminierung, Jazzmusik und Sehnsucht, solidarisiert sich mit den von Apartheid unterdrückten Brüdern und Schwestern in Südafrika oder richtet sich gegen Atomkraftwerke, deren tödliche Bedrohlichkeit keine Hautfarbe kennt.

Foto: Barbara Mürdter / Popkontext

Seine Hits aus den 70ern, wie The Revolution Will Not Be Televised und The Bottle sind zu kulturellem Allgemeingut geworden. Selten hat er in Stadien gespielt, sondern meist nur größere Clubs gefüllt. 13 Jahre war er ganz von der Bildfläche verschwunden, bis er im letzten Jahr mit I’m New Here noch ein furioses Come Back feiern konnte. Da war er schon ein gebrochener Mann, mit mehreren Jahren Gefängnis auf dem Buckel und einer langjährigen Drogenabhängigkeit samt HIV-Infektion. Mit gerade mal 60 wirkte er schon wie ein Greis, ein Weiser, der noch spirituelle Kraft hatte, aber die Unterstützung der neuen Generation brauchte, um diese an die Öffentlichkeit zu bringen. Die Beats, mit denen Richard Russell die neuen Aufnahmen kongenial unterlegte, wirken wie Krücken, die noch einmal ein würdevolles Aufbäumen des Altmeisters erlaubten.

Songs wie Coming From A Broken Home klangen schon wie eine Abrechnung mit dem Diesseits, ein Vermächtnis, was diese Platte nun auch werden sollte. I’m New Here konnte aber auch auf einen späten Neubeginn hindeuten, in dem er die schwierige Kindheit in zerissenen Familienverhältnissen, den Rassismus in den USA der 50er und 60er, eine wechselhafte Karriere und das eigene Nicht-in-sich-ruhen eines zu klugen, zu aufrechten und zu gütigen Geistes in einer rauen Welt, die keinen Halt gibt, wie eine alte Haut abstreifen würde, und im Alter zur Ruhe findet. Doch wenn man genau hinschaute, sah man bereits, dass diesem ausgemergelten Körper, der brüchigen Stimme und dem leicht weggetreten scheinenden Geist die irdische Kraft abhanden gekommen war.

Gil Scott Heron verstarb am Freitag Nachmittag Ortszeit im New Yorker St. Luke’s Hospital aus bisher ungeklärter Ursache, nachdem er von einem Europaaufenthalt zurückgekehrt war. Thank you for the music and the spirit.

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Es ist schwierig, 30 Jahre nach ihrem Tod einen ausgewogenen Rückblick auf das Wirken einer nahezu religiös verehrten Lichtgestalt zu werfen. Ihre reale Existenz ist noch zu sehr in der Gegenwart, aber man war im Zweifel nicht selbst dabei, kennt weder die Person noch die Reaktion anderer Menschen auf ihr Wirken zu ihrer Zeit. Zudem gehört es zu ihrem Wesen, dass ihr Wirken entweder schon zu Lebzeiten oder spätestens nach ihrem Tod maßlos verklärt wird, so dass sich „Wahrheiten“ kaum noch finden lassen. Und letztendlich sind oft die symbolischen Bedeutungen dieser Lichtgestalten deutlich wichtiger als ihre reale Person. So strotzen viele der Rückblicke auf den 30. Jahrestag des Todes von Reggae-Legende Bob Marley nur so von Klischees.

Ikone Bob Marley / Foto: Screenshot

Normalerweise werden in derartigen Texten – durchaus auch kritisch – die Leistungen der Person betrachtet, ihre gesellschaftlichen Auswirkungen und vielleicht eine neue historische Perspektive hinzugefügt, um nicht immer wieder die gleichen Sachen wiederzukäuen. Bei der Tageszeitung Die Welt ist man jedoch ganz andere Wege gegangen, um vermeintlich neue Aspekte zu finden: Man hat auf die Darstellung jeglicher Verdienste der besprochenen Person verzichtet, dafür aber einfach alle Kritikpunkte an der jamaikanischen / Rastafarikultur / Popkultur zusammengeworfen und sie völlig undifferenziert und ohne sie konkret zu verifizieren auf Bob Marley projiziert.

Schon die ersten Sätze zeigen, dass der Autor Michael Pilz zwar recht frei von Kenntnis der Sachlage ist (Bob Marley sei erst nach seinem Tod zur Ikone geworden – das war er bereits zu Lebzeiten), und es auch nicht für nötig hält, Behauptungen zu belegen (Marley sei größer als John Lennon – das stimmt, wenn dann, nur global gesehen). Der Text mit dem Titel Er war ein Heiliger ohne Gnade will weit mehr, als mit einem simplen “Mißverständnis der Popkultur” aufräumen. Das klare Ziel: Bob Marley als Ikone komplett zu demontieren und seine Bewunderer mitsamt ihren Idealen als fehlgeleitete Idioten dastehen zu lassen. Warum gerade Bob Marley? Angriffsziel Nr. 1 ist das linke, ohnehin ein wenig lächerlich wirkende Milieu, aus dem sich die Marley Fans vermeintlich zusammensetzen, „das Milieu der Eine-Welt-Läden, der sexuellen Toleranz, der Spiritualität und der verfilzten Haare“, Angriffsziel Nr. 2: die neben Fela Kuti einzige schwarze, nicht aus dem Westen stammende Ikone der Popkultur, die auch und gerade in der nichtwestlichen Welt einen hohen Identifikationswert hat (was der Autor wie vieles andere kurzerhand unterschlägt). Beides passt bestens ins Feindbild des konservativ bis rechten und nicht selten auch massiv rassistischen Springer-Blatts, das sich unter dem Mäntelchen „seriöse Presse“ versteckt.

Marley wird zunächst persönlich auf seine vermeintlichen oder tatsächlichen miesen Eigenschaften reduziert: Er sei mit den Frauen umgegangen wie mit seinen Musikern – das heißt natürlich schlecht. Da laut dem Autor alle Rude Boys, wie Marley damals einer war, habituell ihre Frauen schlugen, wird impliziert, dass auch Marley das tat. Selbst wenn es ansatzweise so stimmen sollte, und das natürlich zu verurteilen ist – diesen Vorwurf kann man einem Großteil auch der weißen Rock’n'Roller machen. Es ist aber eher unwahrscheinlich, dass solche Bemerkungen den Grundtenor eines vergleichbaren Textes über Mick Jagger, David Bowie oder auch John Lennon ausmachen, die auch weder Kinder von Traurigkeit waren und zumindest teilweise, soweit nachvollziehbar, auch sehr zweifelhafte Frauenbilder haben / hatten. Dann beglückt uns der Autor – wieder unbelegt – mit der küchenpsychologischen Weisheit, dass Marley „ehrgeizig und machtbewusst“ gewesen sein. Ja, das sind die meisten Menschen, die in irgendwelche Spitzenpositionen kommen – da redet nur kaum jemand drüber, selbst wenn sie extrem unzimperlich mit ihren Mitmenschen umgehen. Und generell ist es ja auch erstmal nichts Negatives, „ehrgeizig und machtbewusst“ zu sein – nur in dem Kontext erscheint es wie ein Kapitalverbrechen.

Rasta-Man auf Barbados / Foto: Klaus-J. Kahle Quelle: Wikipedia

Nicht genug mit Frauenverachtung: Marley hasste selbstverständlich auch Schwule, meint der Autor. So ist er eben, der Jamaikaner. Natürlich gibt es derzeit in Jamaika – allerdings nicht nur nicht nur da – ein besonderes Problem mit Schwulenhass, der nicht gerechtfertigt werden soll, der seine Wurzeln ganz klar in Christentum, Sklaverei, Rassismus und der gegenwärtigen gesellschaftlichen Situation hat. Aber der Autor macht den „rüden Reggae“ verantwortlich, und wie jeder Musiker der Stilrichting hätte auch der „junge Marley im Gesang die Todsünde der Homosexualität“ gegeißelt. Mir ist kein Song bekannt, in dem er das tut. Ein Reggae-Experte, der sich auch mit der Homophobie im Reggae beschäftigt hat, meint, es gäbe eine Textzeile: “Man to Man is so unjust” [Update: Nicht mal das bezieht sich darauf: Who Th Cap Fit] – eine in monotheistischen Religionen leider sehr weit verbreitete Ansicht. Da muss man bloß mal einen Blick auf das Milieu der Welt-Leser/innen werfen, die sich ja eigentlich moralisch überlegen fühlen sollen.

Der Autor hat auch eine Erklärung dafür, dass Marleys vermeintliche Homophobie nicht bekannt ist: Der weiße, in Jamaika aufgewachsene Brite Chris Blackwell, Gründer des Island-Labels, habe den aufstrebenden Popstar vor der Veröffentlichung seines ersten Albums für den internationalen Markt, Catch a Fire (1973), darauf aufmerksam gemacht, „dass Weltstars keine Schwulen ausgrenzen und Frauen achten.“ Bloss gut, dass er das gemacht hat, soll man hier wohl denken, von alleine wäre der „Sünder“ Marley nicht auf die Idee gekommen. Abgesehen davon, dass es keine Belege für eine besondere Schwulenfeindlichkeit des jungen Marley zu geben scheint und von der Misogynie in diversen Rocksongs gar nicht die Rede sein soll, wird das Image eines jeden Rockstars aufpoliert, wenn er / sie für den internationalen Markt fit gemacht wird. Und Marley wurde von seiner britischen Plattenfirma zum „herzensguten Botschafter der dritten Welt“ stilisiert – eine weiße, westliche Projektion -, und da gute Umsätze garantieren sollte, wo das Geld saß. Afrikaner/innen, schwarze Amerikaner/innen und andere nichtweiße Menschen, die ihn verehren, haben ein ganz anderes Bild: Für sie ist er das Sinnbild des kulturellen Widerstands gegen die westliche Dominanz.

Die Mühe, auf kulturelle Hintergründe und Kontexte einzugehen macht sich der Autor generell nicht. Darum geht es auch gar nicht. Aber er muss natürlich darauf hinweisen, dass es sich bei den in der Rastafari-Religion verehrten realen Männern um historisch durchaus zweifelhafte Persönlichkeiten handelt: Haile Selassie, den letzten äthiopischen Kaiser, der als der schwarze Messias ausgerufen wurde, charakterisiert er mit den Worten: „Ein selbstherrlicher Modernisierer in Fantasieuniformen, der sich 1974 demonstrierenden Studenten, hungerleidenden Bauern und Militärs beugen musste und geheimnisvoll verschied.“ Abgesehen davon, dass Selassie 1930, zur Zeit der Gründung der Rastafari-Religion und damit genau passend, gerade erst an die Macht kam, war Äthiopien verdammt weit weg von Jamaika, noch weiter für Leute mit sehr beschränktem Zugang zu irgendwelchen Medien. Er eignete sich also prima als völlig leere Projektionsfläche – er war nur schwarz, Christ, aus dem zum gelobten Land stilisierten Äthiopien und sogar noch dessen frisch gekrönter Kaiser. So funktioniert das mit der Religion.

Die zweite Gallionsfigur der Rastafaris ist Marcus Garvey, ein jamaikanischer Drucker, der die verlorenen (oder besser geraubten) Kinder Afrikas aus Amerika wieder in die Heimat bringen wollte. Zu ihm weiß der Autor folgendes zu sagen: „Ein Schwarzer, der die Rassentrennung predigte, sich mit dem Klu-Ku-Klux-Klan verbündete und einen schwarzen König prophezeite, den Messias.“ Die Idee mit der Rassentrennung kam allerdings nicht von Garvey – jahrhundertelang hatten sich die Weißen zur Herrenrasse erklärt und die Sklaverei in den Amerikas damit begründet. Da einfach mal den Spieß umzudrehen und die Schwarzen zu den Besseren zu erklären ist sicher genauer durchdacht nicht die Lösung, aber eine naheliegende Idee zur Erhebung des eigenen geschundenen Selbstwertgefühls, die sich leider bis heute in der Nation of Islam fortsetzt.

Haile Selassie / Foto: Wikipedia

Garvey sah sich zum Propheten der Rastafari-Religion berufen, die sich zu einer Zeit entwickelte, in der auch in der Westlichen Welt – allerdings sekuläre – radikale Massenbewegungen en vogue waren. Sie entstand vor dem Hintergrund von Generationen aufgrund ihrer ethnischen Herkunft unterdrückter Menschen, denen ihre eigene Kultur genommen und der Zugang zu Bildung verwehrt wurde. Hier wurden fundamentalistisches Christentum mit Elementen diverser afrikanischer Glaubenslehren zusammengemischt und als eine Art Befreiungsideologie und eigene kulturelle Identität entwickelt.Wenn heute im Westen weiße Menschen 1:1 das übernehmen, was diese Religion lehrt, wirkt das zu recht lächerlich und naiv (wobei das bei der christlichen Bibel auch nicht anders ist). Und wenn man genau überlegt sind überzeugte Rastafari-Anhänger/innen, die nicht nur einfach universelle ideelle Botschaften aus der Religion ziehen, auch nicht bizarrer als Mormonen oder Evangelikale und andere Fundamentalisten – nur haben sie meines Wissens nach als einzige andere Leute zufrieden gelassen.

Ach ja, und dass er Rastafari nur in verwässerter Form präsentierte wird Marley auch vorgeworfen – dass das vielleicht wie bei anderen Popstars vielleicht auch nur Teil der Verkaufsstrategie war, geht nicht. Natürlich kann man argumentieren – und ich sehe das auch so – dass Marley (mitsamt der Reggae-Musik) aufgrund seiner Bedeutung jenseits des westlichen Popkosmos eine besondere Rolle einnimmt. Aber das eben aufgrund dessen, was er im Positiven symbolisiert – simple Dinge wie Liebe, Völkerverständigung, kulturelle Identität – , und nicht, weil er eben auch nur ein ganz normaler Mensch war. Und selbst dem Menschen Marley bringt uns der Text, auch wenn es er vorgibt, kein Stück näher. Die vermeintliche (feindliche) Annäherung entpuppt sich als ein zusammengewürfelter Haufen von klischeemäßigen Behauptungen zu seiner Person und aus dem Zusammenhang gerissenen historischen und politischen Tatsachen, die einzig dem Zweck dienen, die rassistischen und konservativen Ressentiments der anvisierten Welt-Klientel zu bestätigen und die Käufer/innen bei der Stange zu halten.

Er war ein Heiliger ohne Gnade – Text in Die Welt

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Vor drei Jahren war dem von internen Krisen, Querelen, Machtkämpfen und Richtungsstreits, aber auch stark durch Druck von Außen geschwächten Bürgersender Radio Flora Hannover die Lizenz entzogen worden, weil er angeblich zu niedrige Einschaltquoten hatte. Die lagen nach offizieller Meinung daran, dass der Sender in Wort und Musik zu “alternativ” war und zudem zu viele muttersprachliche Sendungen gehabt hätte. Er hatte sich auch – im völligen Einklang mit den Vorgaben zur Förderung des Bürgerfunks – auf die Fahnen geschrieben, dass die zu Wort kommen sollten, die sonst nicht gehört werden.

Nach einer Neuausschreibung – an der sich auch Flora beteiligen durfte – erhielt der neu gegründete Förderverein Bürgerradio Hannover e.V. mit der “106,5 Rundfunkgesellschaft” und einem deutlich angepassteren Programmentwurf den Zuschlag für die Frequenz und die Bürgerfunk-Fördergelder, die bisher der Verein Radio Flora e.V. bekommen hatte. Der Förderverein bestand z. T. aus einer Fraktion der ehemaligen Radio Flora-Macher/innen und neuen Personen und Gruppen, u.a. von Radio Neustadt am Rübenberge (Nomen ist hier Omen), das sich in aller Bescheidenheit zunächst eigenständig um die Lizenz für die gesamte Region Hannover bewerben wollte.

Auch wenn die Niedersächsische Landesmedienanstalt (NLM) das Konzept des neuen Senders “Leinehertz 106einhalb” als “innovativ” bezeichnete (auf welcher Grundlage auch immer) und man sich selbst als “Reformkraft” (als die sich ja auch konservative Bewegungen gern sehen) darstellte, war den Meisten, die das Spektakel beobachteten oder daran beteiligt waren klar, wohin die Reise geht. Zunächst versuchte man unter dem neu eigesetzten Geschäftsführer Markus Mayer, der von Antenne Bayern zu LeineHertz kam und auch Erfahrungen bei Spreeradio 105,6 und SWR3 gesammelt hatte, noch einen Spagat.

Team LeineHertz anno 2009, nach der Übernahme von Radio Flora: Geschäftsführer Markus Mayer 2. von rechts, umringt von den Musikchefs Jens Dreiser und Markus Musall / Foto: Promo

Kritische politische und soziale Berichterstattung stand im Gegensatz zum Flora-Programm – das auch über die Jahre deutlich unpolitischer geworden war – nicht mehr im Vordergrund. Man suchte vermeintliche Bürgernähe zu erreichen, indem man aus der als links-alternativ verschrieenen Enklave Linden-Nord auszog an den wenig entfernten, aber vergleichsweise zentraleren Klagesmarkt [Korrektur: Leinehertz residiert in der Hildesheimer Str. in der als gutbürgerlich bekannten Südstadt - Klagesmarkt war die urprüngliche Planung]. Dieser war schon in den Jahren zuvor von den Stadtoberen bedingt erfolgreich einem Gentrifizierungs- und Säuberungsprozess unterzogen worden – da passte das aus einem ebensolchen Denkschema heraus “reformierte” Bürgerradio prima hin.

Auch wenn sich die Wortbeiträge jetzt mehr an Mainstream-Unterhaltung und kleinen Lokalthemen orientierte, die nicht mit einem großen Ganzen in den Kontext gesetzt wurden, hielt man zunächst noch bis zu einem gewissen Grad an der von Flora geerbten “Musikfarbe” fest – kaum Rotation, wenig Mainstream und ein breites Musikspektrum von Indie über Folk bis “Weltmusik”. Abends gibt es bis jetzt noch eine Musikschiene, in der freie Musiksendungen laufen. Diese ist vielfach mit ehemaligen Radio-Flora-Musikmacher/innen besetzt, die mangels Alternativen aus der Not eine Tugend machten und jenseits ihrer Sendungen zu LeineHertz oft kritische Distanz halten. Wann sie weichen müssen, ist nur noch eine Frage der Zeit – gerade schon kursiert eine merkwürdige Verpflichtungserklärung der Geschäftsleitung, wo sie offenbar unterschreiben müssen, dass sie “lediglich Musikstücke von Künstlern zum Einsatz zu bringen, die GEMA-registriert sind oder von denen [sie] die persönliche Genehmigung zum kostenlosen Einsatz ihrer Musikstücke haben (die Beweislast und Haftung hierfür liegt bei Ihnen).” [Update: Aufgrund der Ablehnung ihrer Unterschrift unter diese "Verpflichtungserklärung" seien aktuell elf Redakteure/ Moderatoren aus der Musikredaktion nicht mehr mit ihren Sendungen im Programm, teilen mehrere Leinehertz-Redakteure mit. Stand 19.1.2011 2. Update: Der neueste Stand der Information ist, dass vier Sendungen bereits suspendiert sind, und weiter sieben Redakteure heute die Unterschrift verweigert bzw. zurückgezogen haben und so unter den derzeitigen Umständen mit einer Suspendierung ihrer Sendung rechnen müssen. Um eine Stellungnahme zum Sachverhalt habe ich bei der Geschäftsführung angefragt.]

Jetzt kam es, wie es kommen musste: Auch das Letzte, was Leinehertz noch vom gängigen “Dudelfunk” unterschied (sieht man von der nichtprofessionellen Produktion ab), wird morgen gekappt. Stolz verkündet man: “Mittwochmorgen, 7 Uhr: Alles wird anders!” [Update: Die Meldung wurde offebar entfernt. Der Text findet ihr im Kommentar]. Man verspricht “ein neues und verbessertes LeineHertz! Ein völlig neues Klangbild sowie 1.000 neue Songs” (wohl minus aller bisher gespielten) sollen den Sender “noch beliebter” und bürgernäher machen. Zwischen Mitternacht und 18 Uhr sollen die besten (=vermeintlich populärsten) Songs der 60er, 70er, 80er, 90er, 2000er und von heute laufen. Geschäftsführer Mayer, der, auch wenn man sich (noch) sogar zwei Musikredakteure gönnt, die Oberhand hat, meint dazu: „Der Schwerpunkt liegt ganz klar auf den 70ern und 80ern, mit diesen Dekaden verbinden unsere Hörer besonders viele Erinnerungen. Damit unsere Hörer aber auch mit ihren Kindern mitreden können, spielen wir auch das wichtigste von heute.” Zu so einer Einstellung zum Thema Musik muss man, glaube ich, nicht viel anmerken. Neben der neuen Musikfarbe habe man auch “erstmals ein professionelles Produktionsstudio damit beauftragt, das Sounddesign des Programmes “auf den Punkt definiert umzusetzen,” teilt Leinehertz mit [Upadate: Zu Produktionsfirma und -kosten etc. ist die Geschäftsleitung angefragt].

Die linksradikale britische Band Chumbawamba vor Radio Flora - vielleicht sind ja ihre Songs poppig und alt genug fürs neue Leinehertzprogramm? Foto: Wikipedia, Barbara Mürdter

Nach der Bekanntgabe der Pläne meinte der Grünen-Abgeordnete Enno Hagenah in einer Mitteilung: „Gerade das Musikprogramm von Leinehertz hat im ersten Jahr nach Sendestart einen erfrischend positiven Eindruck hinterlassen. Sich davon verabschieden und stattdessen bewusst kommerzielle Vorbilder kopieren zu wollen, ist Ausdruck einer beklagenswerten kulturellen Verarmung.“ Die Grünen hatten sich in den 90ern am stärksten von allen Fraktionen für die Einrichtung eines Bürgerfunks für Hannover eingesetzt, woraufhin 1997 Radio Flora nach langjähriger Vorarbeit und aufopferndem Engagement von Radioaktivisten On Air ging.

Ausdrücklich gehe es dabei nicht nur um eine Geschmacksfrage, läßt Hagenah weiter mitteilen, sondern auch um Medienpolitik: “Mit dem Lizenzbescheid für „Leinehertz106einhalb“ [ist] die Erwartungshaltung verbunden gewesen, einen Bürgerfunk zu bekommen, der sich auch und gerade bei der Musikauswahl als publizistische Ergänzung begreif[t]. Dieses war und ist nicht nur ein frommer Wunsch, sondern ein gesetzlicher Auftrag. Für einen weiteren „Dudelfunksender“ ist die Förderung nicht gedacht.“ Hinsichtlich des zukünftigen Musikprogramms fordert Hagenah eine öffentliche Diskussion, anstelle der jetzt erfolgten einsamen Entscheidung der Geschäftsführung, so die Mitteilung.

In dieser öffentlichen Diskussion muss dann allerdings auch der von Hagenah erwähnte Auftrag des Bürgerfunks noch einmal sehr deutlich betont werden – wo ihn doch die NLM nicht nur bei der Lizenzvergabe in Hannover selber übersehen hat, sondern er auch bundesweit offenbar nicht für voll genommen wird, solange man überhaupt noch Fördergelder für den Bürgerfunk zahlen will. Neben ein paar störrischen gallischen Dörfern tendieren leider viele Bürgersender besonders aus den nicht so stark urban geprägten Regionen dazu, den Dudelfunk nachzuäffen – nur dummerweise zumeist deutlich unprofessioneller.

Ganz sicher keine Musik für alle und trotzdem Kult - Schrägo-Musiker Momus im Studio von Reboot.fm Berlin / Foto: Barbara Mürdter

Aber auch die zuständige Person bei der kürzlich erfolgten Evaluation der an der Berliner Frequenz 88vier hatte offenbar Null Verständnis für diverse Formen von Radio, auch wenn hier immerhin eher der Deutschlandfiunk als Leitbild stand, nach dem sie bewertete. Dass genau diese Vielfalt sich lebhaft auf den freien Wellen tummeln sollte – deshalb auch die bisher unerfüllte Forderung noch einem freien UKW-Kultursender in Berlin – schien ihr gar nicht in den Sinn zu kommen.

Das “Ideal” vom Sender, der “alle anspricht” – oft auch mit antiintellektuellem Vorzeichen, da es ja “alle” verstehen müssen -, den es effektiv nie geben kann und wird, erst recht nicht in einer immer fragmentierteren Welt, dient nur als “Argument” einer immer weiteren Gleichschaltung. Es vergrault innovative Macher/innen und an Innovativem interessierte Hörer/innen, die terrestrisches Radio (und Fernsehen) lieber gleich auslassen und das Internet nach Alternativen durchforsten (wo übrigens auch Radio Flora in rudimentärer Form noch sendet).

Die Gleichschaltung hinterläßt ein kulturelles Netzwerk der Angepassten, Machtgeilen und Visionslosen, die die Fördergelder einstreichen. Bürgersender waren einmal als Alternative und Bereicherung für den Medienmarkt gedacht und hatten ihre Hochzeit nicht zufällig in den 90ern, als die Öffentlich-Rechtlichen sich feige dem vermeintlichen Anpassungsdruck der neuen Privatradios beugten. Jetzt werden auch sie auf Spur gebracht wie das ehemalige Radio Flora, und anderen wird wie in Sachsen der Geldhahn zugedreht.

Update: Wie die HAZ vom 19.1.2011 mitteilt, könnte es in diesem Jahr zu einer neuen Reichweitenerhebung auch des Bürgerfunks kommen. Weht daher der Wind? Wie allerdings der Auftrag des Bürgerfunks und Quote vereinbar sind, ist mir völlig schleierhaft. Die Reichweitenerhebung 2006 hatte für Radio Flora aufgrund angeblich zu geringer Einschaltquoten (wie auch immer sie ermittelt wurden) den Verlust der Lizenz zur Folge.

2. Update: Die Facebook-Seite von Leinehertz quillt von Kommentaren entsetzter Hörer/innen über, während die wenigen verteidigenden Kommentare von einigen Leinehertzmitarbeiter/innen stammen. Offenbar wird, dass der Großteil der Hörer/innen Leinehertz wegen der anderen Musik eingeschaltet hat. Leinehertz selber äußerte sich gestern (20.1.) am selbigen Ort dazu: “Toll, wie rege über unsere neue Musikausrichtung diskutiert wird. Noch mehr freuen wir uns über so viele neue facebook-Freunde und die zahlreichen Anrufe bei uns im Hause. Es zeigt uns sehr deutlich, dass die Entscheidung, noch mehr auf die musikalischen Wünsche unserer Hörer einzugehen, richtig war. Die Erwartungen an Leinehertz 106einhalb sind hoch, wir werden sie erfüllen, ganz im Sinne von 100 % Region Hannover.” Da kann man entweder völligen Realitätsverlust oder bewußte Lüge dahinter sehen.

3. Update: Am 2. Februar findet nach noch nicht bestätigten Informationen eine eine öffentliche Anhörung des Landtags zum Thema statt. Die genaue Uhrzeit und welche Diskutant/innen teilnehmen wird später mitgeteilt. 2. Update: Es werden nach bisher unbestätigten Informationen Herr Mayer und Politiker von den Grünen teilnehmen und das Ganze soll um 19 Uhr stattfinden. [Update: Wie Leinehertz am 27.1. über Facebook mitteilt, sei die Geschäftsführung bisher nicht eingeladen und daher bisher auch keine Teilnahme geplant.] Die Veranstaltung fand doch mit Beteiligung von Herrn Mayer statt. Hier eine Aufzeichnung der ersten Veranstaltung vom 2. Februar.

4. Update: Hannoversche Künstler/innen und Kulturinstitutionen haben eine Petition veröffentlicht, in der sie zu einer Diskussion über den Bürgerfunk auffordern. Hier die Petition und hier eine Meldung aus der HAZ. Es wurde eine weitere Diskussionsrunde im Pavillon im Kulturzentrum Faust für den 22. Februar anberaumt (19 Uhr in der Warenannahme). (16.2.) Wie die HAZ von heute mitteilte, lehnen sowohl Geschäftsführer Mayer als auch die Gesellschafter eine Beteiligung an der Veranstaltung ab, welche die Künstler/innen gefordert hatten. Stattdessen suche der Vorsitzende der Gesellschafter, Georg May (ebenfalls Vorsitzender von h1, Bürgerfernsehen aus Hannover und im Vorstand desLandesverbands Bürgemedien), das Gespräch mit prominenten Kritkern wie Gerd Kespohl vom Pavillon, meldet das Blatt.

5. Update: Meine Email-Anfragen an Herrn Mayer blieben bis zum heutigen Tag (12.2.2011) unbeantwortet. (15.2.) Hier dafür eine interessante Facebook-Diskussion mit dem Leinehertz-Gesellschafter Christof Vetter, der als dessen Geschäftsführer das Lutherische Verlagshaus der evangelischen Kirche dort vertritt.

6. Update Ein Grund für den rigoros durchgesetzten Wechsel könnte die Änderung im Niedersächsischen Landesmediengesetz sein, nach der ab 1.1.2011 lokale Kommerzielle Radio- und TV-Sender ebenso zugelassen werden sollen wie Uni-Radios.

7. Upadate:
Jetzt gibt es eine Seite, wo man über Bürgerfunk in Hannover diskutieren und eine Petition unterschreiben kann: Was ist Bürgerradio?

8. Upadate:
Ein Artikel zum weiteren Verlauf in der HAZ online vom 23.2. Hier sprechen Mitarbeiter davon, dass sie sich wie “Fremdkörper” im Sender fühlten, und dass sie aus Angst um ihren Sendeplatz die kritische Petition gegen die Veränderungen im Sender nicht unterschrieben hätten. Herr Mayer sieht die Lösung darin, besser zu kommunizieren, wer der “feste Ansprechpartner für Kritik” im Hause sei. Leider immer noch nichts verstanden. Hier ein Beitrag dazu von Radio Flora.

Anmerkung: Ich war zehn Jahre ehrenamtliche Mitarbeiterin des lokalen Bürgerfunks Radio Flora und sende jetzt einmal monatlich auf dem freien Berliner Radio Reboot.fm. Ich habe mir diese Sender gesucht, weil ich sie – trotz diverser Kritikpunkte – gut fand bzw. finde, und umgekehrt hat diese Arbeit natürlich auch meine Meinung zum Thema geprägt.

9. Update: Pressemitteilung der ehrenamtlichen Musikredakteure vom 24.3.2011.

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Im Alter von 92 Jahren starb am 13. Januar Ellen Stewart, eine Pionierin des experimentellen Theaters aus New York. Sie wurde als Gründerin und künstlerische Leiterin des 1961 eröffneten Café La MaMa, später La MaMa E.T.C. (Experimental Theatre Club) bekannt. Ihr künstlerisches Engagement während der Beatnik- und Hippiezeit in den 60ern im East Village in Manhatten gehört zu den prägendsten und zentralen frühen Meilensteinen der Off Off Broadwayszene. Ihr Theater zog junge Dramatiker, Komponisten und Schauspieler an, die zum Teil schon berühmt waren oder es später wurden – u. a. Paul Foster, Rochelle Owens und Sam Shepard, Philip Glass, Robert Wilson und Robert De Niro, Al Pacino, Harvey Keitel, Bette Midler und Diane Lane.

Foto via La MaMa Blog http://lamama.org/

Über ihre private Biografie hielt sie sich stets bedeckt, so dass es zu widersprüchlichen Angaben in der Öffentlichkeit kam. Es ist unklar, ob sie in Louisiana oder Chicago geboren wurde, aus welchem Elternhaus sie stammte und wie oft sie liiert war. Sie kam in den 50ern nach New York und arbeitete als Designerin ohne abgeschlossene Ausbildung, womit sie trotzdem schnell erfolgreich wurde. Sie gab diese Karriere aber für das Theater auf, auch ohne hier eine formale Bildung und Erfahrung zu haben. Weil das Theater aber kaum Profit abwarf, verdiente sie anfänglich auch weiter das Geld dafür als Modedesignerin.

Laut Village Voice glaubte sie leidenschaftlich an Internationalismus und die Freiheit der Kultur. So war nicht nur ihre Truppe multikulturell, sondern sie reiste mit ihren Produktionen auch durch die ganze Welt. Es entsanden La MaMa-inspirierte Truppen rund um den Globus und Regisseure und Kompanien kamen wieder nach New York, um in ihrem Etablissement in der East Fourth Street aufzutreten – alles auf einem minimalen finanziellen Level. Einige ihrer Produktionen schafften es dann sogar bis an den Broadway, andere an kommerziellere Off Broadway-Theater. Sie wird als beindruckende Persönlickeit beschrieben, die nich nur durch ihr attraktives Aussehen und Kleidung auffiel, sondern auch durch ihre direkte, durchsetzungsfähige Art. Stewart litt seit längerer Zeit an Herzproblemen und schlief in ihrem Krankenhausbett friedlich ein.

Further reading (English):
Orbituary New York Times
La MaMa Blog
Interview / Portrait in The Villager

Gerald Thomas and Ellen Stewart from The Dry Opera Co. on Vimeo.

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